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Kunstwerk auf der documenta in Kassel Videoprojektion auf großer Leinwand

Die documenta in Kassel:
Atlas Fractured – eine Videoprojektion

Hypnotisierende Klänge, diffuse Stimmen, zahlreiche Wortschnipsel und goldenes Licht begleiten die riesige Videoprojektion des Londoner Künstlers Theo Eshetu. Im Rahmen der documenta in Kassel zeigt er in der Neuen Galerie auf einer meterlangen Leinwand eine 35 minütige Videoprojektion mit zahlreichen Bild-Überlagerungen. In dem technischen Meisterwerk wird bedeckt, verhüllt, gemischt, gewischt und verwischt – mal langsam, mal schneller. Bei den Abbildungen handelt es sich in erster Linie um Gesichter. Der Künstler zieht dabei immer wieder ethnografische Bezüge. Damit setzt Eshetu dem Selfie-Optimierungswahn, der Fülle an Filteroptionen sowie der Bilderflut der sozialen Netzwerke, dem zunehmend Künstlichen, das Künstlerische entgegen.

Ein Bilderrausch der digitalen Kunst auf der documenta in Kassel

Die gewaltige und beeindruckende Leinwand kann sich selbst in der riesigen Halle der Neuen Galerie behaupten und setzt sich aus Werbebannern des Ethnologischen Museums Berlin zusammen. Der Künstler spielt damit auf ethnologische Stereotypen und koloniale Zusammenhänge an. Er gibt Raum für Interpretation und Diskussion und verweist auf die Geschichte der Kolonisation, in welcher die heiligen Kulturgüter der Völker in Museen verbannt wurden. Schicht um Schicht überlagern und überschneiden sich in der Videoprojektion kulturelle Figuren, Masken, Plastiken, Gemälde, Bildnisse von Göttern, Titanen und Ikonen mit filmischen Porträts und Bildnissen der Gegenwart. Statt als kleine Fragmente in den Weiten des Internets zu verkommen, geraten die Bilder und ihre Zusammenhänge in den Fokus. Aus Dahlemer Museen stammende Antik-Köpfe mischen sich mit Bildern lebender dunkelhäutiger Personen. Die ethnografischen Einflüsse und Vergleiche sind nicht zufällig – Der in London geborene Künstler hat holländische und äthiopische Wurzeln. Bereits in seinen ersten Videoarbeiten thematisierte er kulturelle Klischees und verarbeitete seine persönliche Sichtweise auf berühmte Bilder. Dies führt er hiermit auf der documenta in Kassel weiter.

Zwischen Göttern und Popstars

Atlas ist in der griechischen Mythologie ein Titan, der nach damaligen Ansichten unser Himmelsgewölbe stützte. Dieses trägt die mythologische Figur als Kugel auf den Schultern. Theo Eshetu überlagert das Abbild mit einem Foto unseres Planeten. Das Gewölbe transformiert sich im Anschluss in das dunkelhäutige Gesicht eines Mannes, welcher dem Betrachter direkt in die Augen schaut. In einer anderen Szene sieht der Besucher Hände, die ein Gesicht immer wieder wegwischen, bis irgendwann ein weiteres Gesicht zum Vorschein kommt. Augen vor, Augen in und Augen hinter Händen erzeugen neue Sichtweisen. An einem anderen Punkt taucht plötzlich der Popstar David Bowie auf. Das typische künstlerische Make-Up des Sängers mit weißer Schminke und dem markanten Blitz im Gesicht sticht hervor. Wer sind die bedeutenden Figuren unserer heutigen Zeit? Welche Bilder haben wir von Ikonen? Und wen bezeichnen wir überhaupt als eine Ikone?

Gedankliche Kettenreaktionen durch bildliche Zusammenhänge

Wie der Name “Atlas Fractured” bereits andeutet, geht es nicht nur um die kulturelle Vergangenheit, sondern um einen ganzen Atlas des Lebens und seiner menschlichen Bildnisse. Neben der kulturellen Vergangenheit handelt die Videoprojektion auch von den Bildern der heutigen Gesellschaft und vor allem von dem Dazwischen. Dem Künstler gelingt es, den Betrachter dazu zu bringen, Althergebrachtes und Bestehendes aus neuen Blickwinkeln heraus zu betrachten und zu hinterfragen. Theo Eshetu löst gedankliche Kettenreaktionen aus.

Wer sind wir? Wer sind wir als Menschen? Und: Wer wollen wir sein?
Welche Bilder haben wir in unseren Köpfen – von uns und von anderen?
Und was passiert, wenn sich die Bilder der Vergangenheit mit denen der Gegenwart überlagern?

Antworten kann jeder für sich selbst finden – bei einem Besuch der Neuen Galerie im Rahmen der documenta in Kassel.

Die documenta 14 findet in Deutschland noch bis zum 17. September 2017 statt.
Web: documenta 14

Bild: @Mathias Völzke (Fotograf); Künstler: Theo Eshetu; Werk: Atlas Fractured, 2017, auf Banner projiziertes Digitalvideo, Neue Neue Galerie (Neue Hauptpost), Kassel, documenta 14

buntes Plakat der Ausstellung Post Internet Show

Post-Internet Show: eine (digitale) Spielwiese

Die  digitale Welt – für die meisten von uns gelebter Alltag. Dieser manifestiert sich auch im künstlerischen Bereich: Kreative bedienen sich digitaler Möglichkeiten, neuer Software, der Fotografie, des Filmes, sie erschaffen, verfeinern und verbreiten ihre Werke digital. Vor allem aber schöpfen sie aus dem unendlichen Fundus des Internets. Unabhängig davon, ob diese Online-Materialien nun bereits Kunst sind oder nicht, kreieren sie daraus etwas ganz Eigenes, eine neue Art der Kunst. Die Szene fasst diese Tendenz unter Begriffen wie “Post-Internet”, “New Aesthetic “ oder “Net-Art” zusammen. Eine “Nach-Netz-Nutzung” ist darunter jedoch nicht zu verstehen, viele Kunstliebhaber sehen in der Bezeichnung vielmehr eine Haltung.

Im Prinzip sind wir alle, Tag für Tag, digitale Bastler. Die Post-Internet-Art sollte und ist keiner Kunst-Elite vorbehalten, denn sie spielt sich im Online-Alltag ab.

Doch interessanter als eine Begriffsanalyse ist es, künstlerisch zu erkunden, was genau wir mit dem Internet machen und, im Gegensatz dazu, das Netz mit uns. Das dachten sich auch die Initiatoren der Ausstellung Post-Internet Show, welche diese Woche stattfand. 20 Studenten der Universität der Künste präsentierten während ihres Studiums entstandene Werke, die sich kreativ mit Digitalität und Realität sowie ihren Zusammenhängen auseinandersetzen. Die Ausstellung hat sich ausdrücklich nicht zum Ziel gesetzt, den Begriff Post-Internet akademisch zu analysieren, sondern verschiedene Sichtweisen auf unseren digitalen Alltag darzustellen. Dafür startete die Galerie designtransfer der UdK einen Open Call an alle Studierenden – fachbereichsübergreifend und ohne genauere Vorgaben oder Limitierungen: “Keine Definition des Begriffs vorzugeben lässt Raum für verschiedene Interpretationen, Haltungen, Formen und Disziplinen ohne auf eine bestimmte Ästhetik, ein spezifisches Medium, eine einheitliche Aussage oder allgemeine Bedeutung zu beschränken”, so die Veranstalter.

Wir waren vor Ort, sind in die Spielwiese Internet-Post-Show eingetaucht und waren überrascht, wie unterschiedlich, vielfältig und interessant die Perspektiven der Künstler ausfallen. Diese möchten wir Euch nicht vorenthalten und geben einen kleinen Einblick in ausgewählte Werke:

#WE_Selected – Inia Steinbach

Universität der Künste Berlin, designtransfer, Inia Steinbach – „#WE_Selected“

Die Künstlerin Inia Steinbach verdeutlicht wie real unser virtuelles Ich letztlich ist. Als Social Media Nutzer teilen wir täglich mehr oder weniger Informationen über unser Leben und unsere Person. Dazu gehören vor allem Bilder: Wir machen Selfies, fotografieren uns beim Joggen, beim Mittagessen, mit unserem Partner, im Schwimmbad, auf der Uni-Party oder beim Feierabendbierchen. Und auch die Bilder der Beiträge, die wir teilen, stehen mit uns in Verbindung. Inia Steinbach hat eine Jacke entworfen, ummantelt von Instagram-Bildern einer Person – im wahrsten Sinne des Wortes. Damit ruft sie dem Betrachter ins Bewusstsein, was er tagtäglich von sich preisgibt und wie öffentlich das virtuelle Profil ist. Gleichzeitig verschwimmen die Grenzen zwischen Eigen- und Fremdwahrnehmung. In der Projektbeschreibung heißt es:

“Mithilfe dieser Jacke steht einem nun nicht mehr bloß eine anonyme Person gegenüber, die gewohntermaßen kategorisiert und nach ihrem Aussehen, ihrem Akzent oder der Art ihrer Kleidung beurteilt werden kann. Vielmehr kommt es zu einer direkten Konfrontation zwischen dem, wie eine Person von außen wahrgenommen wird und dem, wie eine Person sich selbst aussucht, wahrgenommen zu werden. Die Jacke ist daher zweierlei zugleich: Aushängeschild und Rüstung, Eigenvermarktung und Schutzschild.”

LAYERS OF MYSELF, 2012 – 2017 – Astarte Posch

digitales Kunstwerk LAYERS OF MYSELF, 2012 - 2017 von Astarte Posch
Universität der Künste Berlin, designtransfer, Astarte Posch – „LAYERS OF MYSELF, 2012 – 2017“

Selfies – sie dominieren die Fotogalerien unserer Handys. Durch sie versuchen wir, uns von unserer Schokoladenseite zu zeigen. Die Lieblingsposition, der Lieblingswinkel: ein Sammelsurium von Selbstporträts, die am Ende doch irgendwie immer das Gleiche darstellen? Ist die Schnittmenge dieser idealen Kleinteile des eigenen Ichs am Ende eine entfremdete Bildhülle? Diese Frage stellte sich die Künstlerin des Werkes “Layers of myself” und legte all ihre Selfies, die sie in den Jahren 2012 – 2017 angefertigt hatte übereinander. Die Überlagerung ist offensichtlich und doch wirkt das “Bild der Bilder” kompakt, so als wäre es EIN Bild, lediglich etwas verwackelt.  “Das bin ich, anscheinend”, resümiert die Studentin.

POLYLOGUE – Andreas Unteidig, Lutz Reiter, Fabrizio Lamoncha, Blanca Dominguez Cobreros

digitales Kunstwerk POLYLOGUE von Andreas Unteidig, Lutz Reiter, Fabrizio Lamoncha, Blanca Dominguez Cobreros
Universität der Künste Berlin, designtransfer, Andreas Unteidig, Lutz Reiter, Fabrizio Lamoncha, Blanca Dominguez Cobreros – „POLYLOGUE“

„Polylogue“ ist eine interaktive Installation, bestehend aus zwei schwarzen durchsichtigen Boxen zwischen denen sich der Streifen einer Papierrolle in eine Richtung bewegt. Auf diese werden dann kontinuierlich Nachrichten von den Endgeräten der Besucher gedruckt, die sich mit dem entsprechenden Wi-Fi verbinden. Es öffnet sich online eine Seite, auf derer die Botschaften eingegeben werden können. Je mehr Menschen dies nutzen, desto dichter wird der Text. Es kann auch zu Überlagerungen kommen. Je mehr Gesprächsstoff, desto schnelllebiger ist also die einzelne Message. Die zweite Box spuckt am Ende den Papierstreifen recycelt aus. Das Projekt-Team sieht in „Polylogue“ “die Antithese zum ‚ewigen Gedächtnis‘ des Internets, da die Nachrichten und ihre Beziehungen nur situativ existieren. Im Gegensatz zu digitalen Nachrichten, die häufig über mehrere tausend Kilometer verschickt werden, reisen Nachrichten, die an Polylogue vermittelt werden, maximal 2 Meter, bis sie ihre finale Destination erreichen.” In diesem Kontext erhält die Flut an Textnachrichten und Chatverläufen eine neue Bedeutung. Gleichzeitig wird genau diese erlebbar.

GET THE PICTURE by Pascal Kress – Lucas Liccini

Kunstwerk GET THE PICTURE von Lucas Liccini
Universität der Künste Berlin, designtransfer, Lucas Liccini – „GET THE PICTURE by Pascal Kress“

Das Projekt „Get the picture“ zeigt, zusammengefasst in einem Buch, Bilder aus dem Netz, welche unter einem bestimmten Suchbegriff auftauchten. So kommt es, dass wir zum Thema „Lust“ sowohl auf einen Liebesakt von zwei Nacktschnecken, als auch auf eine lassiv daher kommende Hausfrau gestoßen sind. Unter dem Stichwort “gut” findet sich sowohl ein Foto eines Modelleisenbahnliebhabers als auch eine Couch-Potato-Messie Situation, die nach einem heiteren Abend mit viel Bier aussieht. Lucas Liccini stellt hauptsächlich jeweils zwei Suchergebnisse zu einem Begriff gegenüber. Das Werk zeigt die Dynamiken des Netzes sowie der Bildassoziationen und “fragt nach Sichtbarkeit, Lebensdauer und der Notwendigkeit der Bilderflut, der wir tagtäglich auf unseren Bildschirmen begegnen. Was sagen uns diese Bilder in dem neuen Kontext des gedruckten Buches?”.

SWAPPED REALITY – Johannes Jakobi

zwei Menschen tragen Virtual Reality Brille digitales Kunstwerk SWAPPED REALITY von Johannes Jakobi
Universität der Künste Berlin, designtransfer, Johannes Jakobi – „SWAPPED REALITY“

Johannes Jakobi entwickelte zwei Virtual-Reality-Brillen, mit deren Hilfe man die Welt durch die Augen des anderen sehen kann. So wird das Sichtfeld des einen Trägers auf die Brille des anderen übertragen und umgekehrt. Der Nutzer kann sich somit sogar selbst von außen, durch die Wahrnehmung einer anderen Person betrachten und erleben. Verwirrend und spannend zu gleich!

LIQUID01 – Ray Washio

mehrere Screens Bildschirme mit bewegten Fotos digitales Kunstwerk LIQUID01 von Ray Washio
Universität der Künste Berlin, designtransfer, Ray Washio – „LIQUID01“

Fotos können Momente festhalten, doch sie frieren sie auch ein. Der Student Ray Washio versucht “den Fotos dauerhaft Zeit einzuhauchen”, indem er Fotografien digital bearbeitet: “Es weht ein Wind. Diese Atmosphäre zwingt uns, die Zeit wahrzunehmen.” Die Fotos bleiben bestehen, lediglich einzelne Elemente, wie Brillengläser oder eine Einkaufstüte, wurden vom Künstler in Bewegung gesetzt und bilden so einen Kontrast zum restlichen Bildausschnitt.

UNCONSCIOUS – Ray Washio

Verfremdete Fotografien von Menschen in der U-Bahn digitales Kunstwerk UNCONSCIOUS von Ray Washio
Universität der Künste Berlin, designtransfer, Ray Washio – „UNCONSCIOUS“

 

Google Maps arbeitet mit Algorithmen sowie einer automatischen Gesichtserkennung zwecks Anonymisierung.  Ray Washio versucht sich als Mensch in derartige Prozesse hineinzuversetzen und so die Wirkmechanismen derselbigen zu hinterfragen. Er fotografierte Personen in einer U-Bahn in Tokyo und anononymisierte sie manuell und digital durch Verfremdung. Der Künstler beschreibt:
“Der Unterschied zu einem automatisierten System, wie es Google Map verwendet, ist, dass ich dies manuell machte. Dieser Kontext erlaubte mir, wirklich zu hinterfragen: „Was ist Privatsphäre?“ und „Was bedeutet ein automatischer Versteck-Effekt – für uns und unsere Privatsphäre?“.

Datenschutz und Privatsphäre sind gut und wichtig, die auf den Fotografien verfremdeten Gesichter lassen dennoch auf irgendeine Art und Weise ein verstörendes Gefühl aufkommen und stimmen nachdenklich.

/r – Benedikt Rottstege

Screen Bildschirm Computer mit bunten Bildern in einer dunklen Umgebung digitales Kunstwerk /r von Benedikt Rottstege
Universität der Künste Berlin, designtransfer, Benedikt Rottstege – „/r“

 

„Betreten auf eigene Gefahr“ – kam uns in den Sinn, als wir uns dieses Projekt näher anschauten. Hier wird der Besucher schonungslos konfrontiert – mit den Bildern des  4chan Random-Boards. Dies ist eine der meist besuchten Internetseiten,  auf welcher die User Bilder aller Art anonym hochladen und kommentieren können. Es erscheinen ständig neue Bilder, sodass diese in der Masse an Daten schnell untergehen. Das Projekt „r/“ unterstreicht diese Kurzlebigkeit. Es speist den Bildschirm live, fortwährend und überlagernd mit all den Dingen, die die Nutzer des 4chan Random-Boards so interessieren. Welche das so sind? Ihr ahnt es schon…

A LOOP LOOPS – Hara Shin

Screen Bildschirm mit Bildern und URL digitales Kunstwerk A LOOP LOOPS von Hara Shin
Universität der Künste Berlin, designtransfer, Hara Shin – „A LOOP LOOPS“

 

Das Netz: unendliche Weiten, riesige Datenmengen und das tagtäglich. Die Künstlerin lässt “unzählige Bilder von Monitoren als Miniaturbilder, Video Clips, GIF-Dateien, Pop-Up Werbung und private Bilder auf Online-Nachrichten-Seiten, Online Communities und Online Chats” erscheinen. Angezeigt werden ebenfalls fortlaufend die dazugehörigen HTML-Codes. Durch die Verbindungen derartiger Community-Fragmente wird deutlich, wie sich “die Grenzen ihrer eigenen Hierarchien” aufheben und so neue Kontexte entstehen.

‘ONLY A FAD’ – A modern reliquary – Isabella Asp Onsjö

Virtual Reality Brille aus Ton digitales Kunstwerk ‘ONLY A FAD’ – A modern reliquary von Isabella Asp Onsjö
Universität der Künste Berlin, designtransfer, Isabella Asp Onsjö – „‘ONLY A FAD’ – A modern reliquary“

Was, wenn es doch ein Nach-Internet gibt? Vielleicht ja auch nur eine ganz neue Form dessen? Wird das Internet verschwinden? Isabella Asp Onsjö fragt sich mit Blick in die Zukunft: “in der katholischen Kirche ist die Reliquie ein antikes Überbleibsel von etwas, das als heilig galt. Etwas, das so bedeutend ist, dass es das Potential hat, von Tausenden verehrt zu werden. Was wird von unserer Gesellschaft geschaffen, das in Zukunft diesen Status innehaben könnte?”. Sie materialisiert den Gedankengang das Internet sei eine längst vergangene Reliquie, indem sie ein Häuschen aus Ton konstruierte und es mit diversen HTML-Codes beschriftete. Das Haus ist in Anlehnung an eine Virtual-Reality-Brille gestaltet. Über das Dach kann der Betrachter in die Reliquie schauen. Darin zu sehen ist ein vor Jahrzehnten für und mit Kindern produziertes Erklärvideo über das Digitale sowie das Internet. Kann und wird das Netz jemals eine (moderne) Reliquie sein?

Unwahrscheinlich. Aber bei all den neuen Kunstformen, die sich daraus ergeben, ist dem Digitalen seine Bedeutsamkeit und Heiligkeit ganz eigener Art nicht abzusprechen. 

Bild: @Universität der Künste, designtransfer, Andy King

documenta 14 Kunstwerk Zelt aus Marmor Rebecca Belmore

Die documenta 14 zwischen Kritik, Krise, Politik und Zusammenhalt

Von Athen lernen – so lautet das offizielle Motto der am Samstag in Kassel eröffneten documenta 14 – der weltweit größten und bedeutendsten Ausstellung zeitgenössischer Kunst. Bis zum 17. September 2017 können Besucher dort internationale Werke bestaunen. Wie das Motto bereits impliziert, findet die Ausstellung in diesem Jahr erstmals an einem zweiten gleichberechtigten Standort statt: in Athen. Der Kurator und künstlerische Leiter der documenta, Adam Szymczyk, gibt Aussicht auf einen “bedeutungsvollen und spannenden Lernprozess”, der uns helfen soll, die Welt um uns herum zu verstehen und durch unterschiedliche Perspektiven zu beleuchten.

Doch in Griechenland machte sich bereits zum dortigen Start der Ausstellung im April Protest breit. So begegneten dem internationalen Kunstpublikum in den Straßen Anti-documenta-Graffitis, wie “crapumenta 14”. Das “crap” in der Abwandlung von documenta, steht übersetzt für “Mist”, “Scheiß” oder “Unsinn”. Auf einer anderen Mauer fragt sich ein Sprayer: „The crisis of a commodity or the commodity of crisis?“ Der ehemalige Finanzminister Yanis Varoufakis lies in diesem Zusammenhang das Wort „Krisentourismus“ fallen. Der ehemalige Syriza-Abgeordnete Zoe Konstantopoulou geht noch einen Schritt weiter in Richtung deutsch-griechischer Vergangenheit und twittert vernichtend: „Die Nazis kommen wieder, nur mit anderen Mitteln.“

Kunst auf Kosten anderer? Missbrauch von Leid und Armut? Oder eine Bekämpfung eben dieser? – Was bedeutet die Wahl Athens als zweite Ausstellungsstadt der documenta 14? Wir haben einige Stimmen gesammelt.

Klingt der Leitsatz der documenta 14 im ersten Moment noch positiv und lehrreich, ist er im Nachgeschmack doch etwas irritierend, vor dem Hintergrund der aktuellen und internationalen gesellschaftlichen sowie politischen Situation, Griechenlands Schuldenkrise, der Flüchtlingsthematik und europäischer Instabilität, für manch einen gar provokativ. Ähnlich äußerte sich Bundespräsident Steinmeier in einer Rede zur Ausstellung: “(…) der Titel dieser documenta zielt auf die Gegenwart, auf die politischen und ökonomischen Gräben zwischen uns, die wir – so verstehe ich die Botschaft – zu überwinden haben.” Für Szymczyk, der das Motto formulierte, steht Athen für die globale Finanzkrise sowie die Krise Europas. Die documenta könne in diesem Zusammenhang die Teilung Europas erforschen und eine Kooperation auf Augenhöhe ermöglichen. Für ihn ist die Lage Europas viel zu heiß, als dass die documenta sie eiskalt ignorieren könnte und das internationale Publikum allein im beschaulichen und netten Kassel willkommen geheißen werden sollte.

Hier liegt auch der Ursprung für die Wahl der Hauptstadt Griechenlands als zweiten Ort der Kunstausstellung: „Ich wurde gebeten, einen Vorschlag für die documenta in Kassel einzureichen. Und das rief bei mir gleich viele Fragen hervor: Warum die documenta? Warum in Kassel? In mir waren plötzlich jede Menge Warums. Und ich wäre unzufrieden damit gewesen, eine irgendwie nette und intelligente Ausstellung für eine mir vorgegebene Stadt vorzuschlagen, während die Situation politisch und wirtschaftlich langsam heiß wurde – insbesondere im Süden Europas. Also begann ich, mich nach einer Möglichkeit umzuschauen, den ursprünglichen Spielort in Kassel beizubehalten und gleichzeitig auch einen ganz anderen Standpunkt zu finden, von dem aus man die Dinge anders sehen und lesen kann“, so der polnische Kurator Szymczyk.

Ein Widerspruch in sich?

Die Glaubwürdigkeit dieser Intention, einer Zusammenarbeit auf Augenhöhe, wird in Frage gestellt und stößt auf Gegenwind. 34 Millionen Euro stehen der documenta über einen Zeitraum von fünf Jahren als finanzielle Mittel zur Verfügung. Kritikern missfällt es, dass eine derartig kostspielige und noch dazu deutsche Kunstausstellung ausgerechnet mit dem von Finanznöten geplagten Griechenland und im Lichte der deutsch-europäischen Sparpolitik eine Kooperation eingeht. Doch vielleicht ist genau das ein einseitiges Vorurteil über ein angebliches Vorurteil, ein Tunnelblick, der Deutschland als aktiv und Griechenland als passiv betitelt. Bundespräsident Steinmeier verweist in seiner Rede auf das Symbol der documenta, die Eule: “Die Demokratie, davon bin ich überzeugt, lebt von einer Perspektive, die möglichst viel und mit großer Tiefenschärfe in den Blick nimmt, wie die Eule, die uns hier als Symbol der documenta allerorten begegnet. Die Eule kann ihren Kopf um 270 Grad drehen. Ich will diese Übung niemandem zur Nachahmung empfehlen. Aber wir können lernen, uns umschauen, einander wahrnehmen und genauer hinschauen – das können wir sehr wohl. Und das sollten wir auch, wenn wir asymmetrische, einseitige Beziehungen zwischen unseren Ländern vermeiden wollen.”

Flucht und Migration als internationale Themen

Auch wenn diese Ansicht fast schon simpel klingt, ist sie doch heute wichtiger denn je, auch wenn gegenseitige Unvoreingenommenheit selbstverständlich sein sollte, ist sie es heute immer seltener. Insbesondere aktuelle Themen, wie Flucht und Migration, die uns alle indirekt betreffen, erfordern eine gegenseitige Unterstützung der Länder und werden von der documenta aufgegriffen. So zeigt beispielsweise die Künstlerin Rebecca Belmore auf dem Philopappos-Hügel, gegenüber der berühmten Akropolis, symbolisch zum Thema Flucht ein Zelt aus Marmor. Ein Zelt kreierte auch Künstler Mounira Al Solh aus dem Libanon und beschichtete die Innenwand mit den Erlebnissen von Geflüchteten aus Unterkünften in Kassel. Diese Beispiele zeigen, dass das Leben und die Kunst keine Grenzen kennen und wie Geschichte, Kreativität und gesellschaftliche sowie politische Themen vereinbar sind.

International oder regional?

Neben der politischen Dimension sehen einige griechische Stimmen die Kunst des eigenen Landes nicht genug gewürdigt und unterstellen der documenta in Athen eine Art unglaubwürdige Parallelwelt zu sein, die der wahren Kunst Griechenlands keine Plattform bietet: „(…) natürlich gibt’s auf der documenta tolle Kunst zu sehen. Aber man muss sich mal das große Ganze angucken. Ich war bei der Eröffnung im Museum für Zeitgenössische Kunst: Da waren viele Leute aus der internationalen Kunstszene, mit ihren schicken Klamotten. Und vor den Türen des Museums: Da war das richtige Athen, mit seinen Gerüchen, seinen Geräuschen, seinen Problemen. Aber drinnen hat man davon rein gar nichts gespürt. Diese Ausstellung hätte genauso gut in Zürich, in Basel oder sonst wo stattfinden können”, so die die Künstlerin Poka-Yio.

Viele Griechen sind enttäuscht, dass vergleichsweise wenig griechische Künstler an der documenta teilnehmen. Sie gingen davon aus, die documenta würde vollkommen in die künstlerische Szene Athens eintauchen. Doch sie ist und bleibt eben eine internationale Kunstausstellung: „Die documenta gehört vielen Menschen jenseits der nationalen Grenzen.“, so Adam Szymczyk. Die Leiterin des documenta Büros in Athen, Marina Fokidis, entgegnet dem außerdem, dass die documenta für viele griechische Künstler eine große Chance darstellt, neue Kontakte und ein internationales Netzwerk zu knüpfen.

Eine Symbiose

Für die Galeristin Marina Athanassiadou kann die documenta in Griechenland neue Impulse geben und einen Fortschritt einleiten: „Ich glaube, es ist das erste Mal, dass hier in Athen die Straßen für ein Kunst-Event gesperrt werden. Sonst passiert das nur, weil wieder irgendwo demonstriert wird: Wenn’s um die Finanzkrise geht oder um die Europäische Union. Wir haben die Nase voll von diesen Demos. Und jetzt findet mitten auf dem Syntagma-Platz plötzlich eine Kunst-Performance statt. Das macht die Leute neugierig, weil es etwas Neues ist. Sie gehen hin und fragen, was da los ist. Und wer fragt, der lernt.“
Doch auch für das Herzstück der documenta und ihre Mutterstadt Kassel, kann Athen eine Bereicherung sein. Vinzenz Brinkmann sieht in Athen für die Kunstausstellung eine Chance: „Szymczyk rettet die Idee der documenta“. Der Archäologe spricht von zu überwindenden „Abnützungsfaktoren“. Seiner Meinung nach sei die documenta ursprünglich „aus der Irritation heraus“ entstanden. Dadurch, dass die Ausstellung durch den Ort Athen erweitert wurde, hat der Kurator „der Idee des Widerständigen neue Kraft gegeben“, sagt er. Statt Abstumpfung, Oberflächlichkeit und Event: Tiefe, Intention und ein Verlassen der Komfortzone. Statt Krisentourismus, Krisenbewusstsein und ein gemeinsames Reflektieren über mögliche Lösungen.

Demnach sollte nicht gefragt werden: Athen als zusätzlicher Ausstellungsort der documenta – ja oder nein? Und schon gar nicht: Kassel oder Athen? Auch sollte das Novum der aktuellen documenta 14 nicht als Wettbewerb zwischen Kassel und Athen angesehen werden. Zugegeben: das Motto “von Athen lernen” impliziert zunächst eine Ironie und für manch einen vielleicht sogar eine Demütigung der Griechen, sollte aber nicht als solche aufgefasst werden. Denn die Intention ist nach Betrachtung der Schilderungen eine andere: gegenseitige Bereicherung. Das klingt vielleicht etwas optimistisch und einfach. Aber manchmal liegt genau in diesem “weniger ist mehr” die Kunst.

Das dachte sich auch der kosovarische Künstler Sokol Beqiri und pflanzte im Rahmen der documenta eine kleine Eiche auf das Gelände der Technischen Universität in Athen, ein griechisches Bäumchen, veredelt mit den Ästen jener Eichen, die vor mehr als 30 Jahren von dem deutschen Künstler Joseph Beuys in Kassel gepflanzt wurden.

Die documenta 14
documenta14.de
Kassel: 10. Juni – 17. September 2017
Athen: 08. April – 16. Juli 2017

 

Bild 1: @Fanis Vlastaras; documenta 14; Künstlerin: Rebecca Belmore, Biinjiya’iing Onji (Von innen), 2017, Marmor, Filopappou-Hügel, Athen
Bild 2: @heb_beh
Bild 3: @Dimitris Parthimos; documenta 14; Künstler: Sokol Beqiri, Adonis, 2017, gepropfter Baum und Marmor, Polytechnion, Athen

Love out loud Buchstaben auf Papier aufgestellt auf zwei Treppen

Die re:publica 2017

Die Messe re:publica verspricht den Schwerpunkt auf genau genau das Thema zu setzen, das sich auch NeoAvantgarde zum Motto gemacht hat: digitale Gesellschaft und digitale Kultur. Unsere Redakteure Nora und Marie waren deshalb vor Ort und haben sich mit Ausstellern, Besuchern und Speakern unterhalten. Unsere Highlights haben wir für euch zusammengefasst.

Das Motto und Design

“Love Out Loud” lautete das Motto der re:publica 2017. Die Devise war also die Liebe, was zwar nicht gerade neu und innovativ wirkt, in Kombination mit dem LOL-Wortspiel und aktuellen Debatten über Hasskommentare in Sozialen Netzwerken aber den Zeitgeist trifft. Der Fokus der re:publica lag, wie die Organisatoren selbst sagen, darauf, Initiativen gegen Hass, Gewalt und Ungerechtigkeit zu präsentieren und zu unterstützen. Viele Vorträge drehten sich dementsprechend um Themen wie “Digital Equality”, “Fake News” oder “Berichterstattung für Flüchtlinge”, wobei der Leitsatz “positiv nach vorne denken” immer mitschwang. Viele Missstände wurden scharf kritisiert und trotzdem schwebte über der Messe eine positive Grundstimmung, die etwas verändern möchte – dabei aber dennoch für die Zukunft nicht schwarz sieht. Nicht nur das Motto, auch die Gestaltung der Messe traf den Zeitgeist unserer digitalen Gesellschaft. Insgesamt war es sehr bunt und ein auch bisschen selbstgebastelt. Damit setzte sich die re:publica von sterilen Messen ab und wirkte modern. Überall waren farbenfrohe, teils schrille Plakate, Aufsteller und Luftballons zu sehen. Auch an Discokugeln, Lichtern, Herzen und Einhörnern mangelte es nicht. Zusätzlich wurde dem Motto “Laugh out Loud” ein ganzer, sehr stylisch dekorierter Treppenaufgang gewidmet: Reichlich Material also für die nächste Instagramstory.

Virtual Reality

Ein Stichwort, das zwar jeder schon einmal gehört hat, aber die wenigsten schon einmal erlebt haben, wurde gleich von mehreren Ausstellern vorgestellt. Wir haben uns beim ZDF vorgestellt, sind ins Gespräch mit den Mitarbeitern gekommen und standen danach plötzlich auf einem Hochhaus, mussten springen und gleich darauf standen wir in einem römischen Kolosseum zwischen zwei Gladiatoren (am Ende wurde natürlich darauf aufmerksam gemacht, dass das Kolosseum heute als Monument gegen die Todesstrafe dient – Love Out Loud!). Wir waren sehr beeindruckt, wie immersiv Virtual Reality schon jetzt ist. Mitten auf der Messe, Menschenmassen um uns herum, die Kollegin macht einen Boomerang nach dem anderen, und trotzdem haben wir alles um uns herum vergessen und waren mitten in einem Gladiatorenkampf. Der Film hatte eine Länge von zehn Minuten, wurde zwei Monate lang produziert und lässt Virtual Reality nicht mehr als allzu ferne Zukunft erscheinen. Mindestens genauso beeindruckend war für uns der Sprung vom Hochhaus. Nachdem wir schon einige Zeit beobachteten, wie Besucher für Besucher den Sprung vom auf dem Boden liegenden Holzbrett abgebrochen hatten, wollten wir es erst recht wissen: Wie kann es sein, dass die Hürde zum Sprung so unüberwindbar ist, wenn doch rational klar ist, dass es sich um einen ‘Messestreich’ handelt? Brille auf, Kopfhörer auf die Ohren und schon standen wir in einem Aufzug, der uns ganz hoch auf ein Hochhaus brachte. Die Türen gingen auf und wir waren ausgesetzt auf einem Dach, hunderte Meter rechts und links von uns nichts als der tiefe Abgrund und ein schmales Holzbrett. Und tatsächlich: Eine von uns ist gesprungen, die andere hatte sich nicht getraut. Das ZDF präsentierte sich alles in allem auf der re:publica definitiv als innovatives und modernes Unternehmen. 

Podcasts als neues Contentformat

Nachdem wir den Dschungel an Veranstaltungen und Ausstellern sortiert hatten, entschieden wir uns für einen Vortrag zum Thema Podcast. Vincent Kittmann von den Online Marketing Rockstars erklärte in einer einstündigen Rede, wie viele Potenziale Deutschland aktuell in der Podcast Landschaft entgehen. Einer Onlinestudie von ARD und ZDF zufolge hören 13% der Online-Nutzer in Deutschland Podcasts, was solide ist, bedenkt man, dass 64% Audiofunktionen im Netz nutzen. Vor vier Jahren waren das noch 51%, was zeigt: Das Medium Audio kommt – und mit ihm die Podcasts. Klar, im Vergleich zu den USA, die bereits 300 Millionen Euro jährlich in die Vermarktung von Podcasts investieren, ist Deutschland in den Early Days, aber es deutet sich ein Medientrend in diese Richtung an. Hier ergibt sich ein riesiger Markt für Werbetreibende, die die Chance haben, die Stärken der Podcasts als erste zu entdecken und mit vergleichend wenig Aufwand und Budget einen Effekt bei dem Zuhörer zu hinterlassen. Spannend für uns ist, ob wir 2017 noch mehr Persönlichkeiten aus dem öffentlichen Leben in eigenen Podcast-Formaten sehen werden, wie sich die Produktion von Podcasts entwickeln wird, wenn sich Profis ans Werk machen und welche Formate in den Charts ganz oben ranken werden.

Zum Abschluss noch ein kurzes Resümee: Wir waren beeindruckt von der Dominanz an Institutionen des öffentlich-rechtlichen Rundfunks auf der re:publica, die sich allesamt als kreative Unternehmen präsentiert haben und viele technische Innovationen vorgestellt haben. Etwas weniger innovativ waren die großen Player, Google hat die Einstellungen bei “Mein Konto” erklärt und Microsoft Buttons gedruckt. Alles in allem haben wir trotz kurzer Zeit viel Inspiration mitgenommen, waren überfordert mit den vielen spannenden Vorträgen und sind am Ende des Tages erschöpft, glücklich und vollgepackt mit Messe-Goodies nach Hause gefahren.