Tag: Inspiration

Theater 2.0:
Eine Bühne zwischen Virtualität und Realität

Wir waren im Theater … und eigentlich auch wieder nicht. Denn es handelte sich um keine gewöhnliche Vorstellung. Gespielt wurde nicht etwa auf einer klassischen Bühne, sondern ortsunabhängig, online, in einem Livestream des World Wide Web. Theater 2.0, das Web als neue Bühne, funktioniert das?

Online-Theater.live – so nennt sich das Projekt, welches von den Schauspielern Caspar Weimann und Saladin Dellers gemeinsam mit NUU, einer experimentellen Plattform für junge Künstler, “ins Netz gerufen” wurde. Dabei geht es nicht darum, ein Stück aufzuzeichnen und in den Medien zu verbreiten, sondern es online entstehen und sich entwickeln zu lassen. Eine Gruppe junger Künstler aus Deutschland, Österreich und der Schweiz kreieren ein mobiles, eigens fürs Internet inszeniertes Online-Erlebnis: Die Schauspieler sind unterwegs, filmen sich mit verschiedenen Medien und übertragen die Inhalte per Livestream in dein Wohnzimmer. Teile der Story werden mit dem Online-Publikum im Foyer, einem parallel laufenden Chat, besprochen und final gestaltet. Jeder kann kostenlos zuschauen und mitkommentieren. Das Netz und seine User werden dadurch selbst Teil der Inszenierung. In dieser Situation ist Spontanität, Improvisation und Interaktion gefragt. Doch ist das noch Theater? Oder schon Film? Ein Event? Eine Live-Sendung wie im TV? Die Macher der gestrigen Aufführung “follower” nennen es ein “on-the-road-multicam-live-improfilm-theater”. Was für eine Wortneuschöpfung! Schon diese Bezeichnung erweckt den Eindruck, als fiele es auch den Künstlern schwer, eine Einordnung vorzunehmen. Aber vielleicht ist es genau diese Vernetzung und Kombination von Stilen und Techniken, die das Ganze zu etwas Besonderem und einer neuen Form der Kunst macht?

So auch das Stück Follower?

Kurz vor 21 Uhr: Noch schnell etwas zu Abend gegessen, den Akku des Laptops aufgeladen, und ab auf die Couch im Schlabberlook. Ein ganz besonders gemütlicher Theaterbesuch. Gespannt sitze ich vor dem Bildschirm und starte den Livestream. Im Foyer, dem Chat, ist noch nicht so viel los, es wird sich begrüßt und das Gefühl der Neugierde geteilt. Ein für das Projekt typisch neon-grünfarbiger Cursor vor schwarzem Hintergrund, begleitet von einem sich aufbauenden elektronischen Hintergrundton nährt die gespannte Erwartungshaltung. Dann geht es auch schon los. Der Dreh mit Kamera im Selfiestickmodus beginnt. Die Anzahl der Viewer: 34. Die Szenerie: zwei Schauspieler, ein Mozart mit billiger Perücke auf dem Kopf und einer Scherpe um den Hals, eine Nixe mit gleichermaßen verkitschtem Kostüm vor dem Hintergrund wild zusammengewürfelter und improvisiert wirkender Kulissen (ein roter Samtvorhang, goldenes Lametta und ein Papp-Zeppellin sprechen für sich). Hilfe, ist das Kunst? Erkenne ich den hohen Anspruch dieses Werkes nicht? Doch wie so oft im Leben ist es nicht immer nur der erste Eindruck, der zählt. Eine kurze überspitzt-kitschige und übertrieben gespielte Szene und einen Kamerawechsel später wird klar: dies ist nur ein Spiel im Spiel. Denn im Mittelpunkt des Abends steht der Schauspielstudent Benjamin.

Eine Story von und mit den Digital Natives unserer Zeit

Er ist mit Ellie (der Nixe) zusammen. Oder doch nicht? Angesichts dessen, dass Ben den ganzen Abend über unbedingt zu seiner Verflossenen Lena möchte, ist dies dem Zuschauer nicht einhundertprozentig klar. Es wirkt so, als wollten die Macher die Auswirkungen der Online- auf die Offline-Welt darstellen sowie stereotypen Mann unserer Generation Y: dynamisch, abenteuerlustig, auf der Suche nach sich selbst, in der Vergangenheit schwelgend, in die Zukunft blickend, träumerisch und ernüchtert zugleich. Während er nicht so recht weiß, was er will und sich alle Optionen offen hält, vergisst er dabei manchmal die Gegenwart und läuft so Gefahr, die Zukunft mit Ellie zu gefährden. Die Künstler selbst beschreiben es so: “es dreht sich hierbei um das Verhältnis eines Menschen zum System Internet und zum Strom seiner Zeit. Wohin können die Möglichkeiten des anarchistischen und fast gesetzlosen Raumes Internet Menschen und ihre Gefühle treiben – vor allem im Bezug auf ihre Alltagsumgebung Stadt. Was bietet mehr? Das Internet oder das urbane Umfeld?”

Der digitale Raum: Durch ihn ist es möglich, mit jedem jederzeit vernetzt zu sein und zu bleiben. Alte Kontakte können aufgewärmt, neue schnell geschlossen werden. Dabei verwischen die Grenzen zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sowie zwischen Realität und Virtualität. Die im Stück vielfältig eingesetzten Medien und Plattformen unterstreichen diese Tendenz. Es wird mit Smartphones gefilmt. Das Publikum kann die Handlung dabei auf mehreren Ebenen verfolgen: Es kann beispielsweise sehen, wie Ben die Kamera auf sich und Ellie hält, während er selbst gefilmt wird.

Theater Online

 

Und auch die Locations werden gewechselt: eben noch in der Natur, nun im Keller, eben noch mit dem Auto, nun mit dem Roller durch die Stadt, eben noch die Kameraperspektive vom trockenen Ufer aus und im nächsten Moment mit Ben im kalten Nass des Flusses, eben noch auf der Straße, dann im Bildschirm. So gibt es Szenen, in denen in den Screen eines Handys geschaltet wird, sodass der Zuschauer verfolgen kann, wie der Protagonist googelt, seine Anrufliste checkt oder sich in Ellies Vlog auf Youtube klickt. Doch Inhalte, Handlungen und Stimmungen wechseln sich ab. Die Kommunikation zwischen den Protagonisten ist mal harmonisch, mal chaotisch, mal feindselig, ernst und dann wieder glücklich. Eben liegen die Protagonisten noch halb nackt im Bett, dann ermorden sie im Affekt eine Frau.

Theater Online

 

Überraschend und unterhaltsam waren außerdem die Kommentare im Foyer. Der Chat wird beispielsweise für inhaltliche Nachfragen genutzt (“wer ist der gruselige Typ?”), für Wertungen (“lahm”), für technische Fragen oder einfach einem Austausch über das Theater genutzt. Ein Zuschauer merkte sogar: “die sind gerade bei mir vorbei gefahren”. Dies zeigt eine neue Dimension, in welcher das Online-Theater stattfindet. Nicht der Zuschauer kommt zum Theater, sondern das Theater zum Zuschauer – manchmal sogar wortwörtlich ;). Am Ende kam es auch zu Aufrufen und Storywünschen wie: “Küssen!”. Genau das dachten sich wahrscheinlich viele Zuschauer, denn die Situation war dramaturgisch daraufhin ausgelegt. Es schien als würde es jeden Moment passieren. Und dann wurde die Situation doch wieder entschärft, dem Wunsch nicht stattgegeben. Sehr unterhaltsam war es ebenfalls, dass auch das Produktionsteam (Bühnenbild: “eigentlich haben wir Feierabend”) sowie die Figuren selbst (Lena: “ich warte auf dich”) antworteten. Und auch hier wechselten die Perspektiven: einerseits die Sicht des Produktionsteams, andererseits die der Figuren.

Theater Online

 

Derartige Veränderungen sind durch ihre Unvorhersehbarkeit spannend. Auch externe, von den Schauspielern nicht beeinflussbare, Gegebenheiten haben ihren ganz eigenen Reiz. So sind die Blicke der vorbeilaufenden und nichtsahnenden Passanten einfach nur zu köstlich. Wirklich nichtsahnend? Gleichzeitig fragt man sich: Ist das Gezeigte wirklich Realität oder doch Inszenierung? Schwimmt dieser eine Mann dort zufällig durch das Bild oder wurde er gezielt platziert?

Spontan und unberechenbar

Doch all die Dynamiken führen zugegebener maßen dazu, dass man gezwungen ist, das Ganze mit höchster Aufmerksamkeit zu verfolgen. Der parallel laufende Chat ist interessant, aber das Multitasking-Talent, das einem hier abverlangt wird, ist selbst für mich als weibliche Zuschauerin nicht immer einfach abzurufen. Hinzu kamen Probleme beim Verbindungsaufbau: Der Livestream blieb immer mal wieder stehen. Im Foyer bestätigten manche Zuschauer, dass die Übertragung nicht flüssig sei. Auch akustisch waren die Schauspieler nicht immer optimal zu verstehen. Mitten in der Geschichte stürzte dann auch noch die Website ab. Das bemerkte auch der Protagonist selbst, als er die Zuschauer fragen wollte, was er in seiner Situation nun tun solle. Doch hey – wir befinden uns in den Weiten des Internets. Als Digital Native habe ich gleich mal auf der Facebook Seite des Projektes geschaut und siehe da: Ein Alternativ-Link zu einem neuen Livestream stand bereits zur Verfügung. Die Technik des Online-Theaters – Fluch und Segen zugleich – irgendwie eine Ironie des Schicksals.

An dieser Stelle kann ein weiterer Vorteil des Online-Theaters greifen: Ich habe die Möglichkeit, jederzeit aussteigen zu können (ohne, dass mich jemand komisch anschaut und ich dadurch peinlich berührt bin). Dennoch bin ich drangeblieben. Zum einen, weil die Übertragung besser wurde und zum anderen, wollte ich dann doch wissen, wie es ausgeht. Am Ende scheint es, als habe Ben sich gegen eine Flucht und für eine Zukunft mit Ellie entschieden. Doch sicher kann sich der Zuschauer im Online-Theater nie sein und das in jeder Hinsicht.

Letztlich muss man auch bedenken: Es ist live. Und immer, wenn Technik mit im Spiel ist, können zusätzlich Probleme auftreten. Bei dem Versuch ein Fazit zu ziehen, fällt eine eindeutige Positionierung nicht leicht. Diese Form des Theaters ist nicht besser oder schlechter als eine klassische Vorführung in einem Saal. Es erzeugt einfach eine andere, ganze eigene Dynamik und Stimmung. Und es führt zu einer anderen Form der Nähe. Wir haben es hier nicht mit einer unmittelbaren physischen Anwesenheit des Publikums zu tun. Das Online-Theaterstück in den eigenen vier Wänden hat seine Vorteile: Man kann parallel andere Sachen erledigen, wird nicht von anderen Zuschauerreaktionen angesteckt oder abgelenkt und niemand vermiest einem durch seine Größe die Sicht auf das Geschehen. Der Zuschauer ist allein vor dem Rechner und doch sozial vernetzt. Die Nähe entsteht durch das Schreiben im Chat. Dennoch besteht jederzeit die Möglichkeit die Rolle eines externen Beobachters am Geschehen einzunehmen. Und auch die Künstler und ihr Werk kommen dem Zuschauer noch näher als in der Realität. Das Publikum wird quasi ein digitaler Co-Produzent.

Im Programm des Online-Theaters stehen momentan die Stücke “Follower” und “Werther”. Laut den Initiatoren werden zukünftig auch andere Performances und Veranstaltungen im Livestream übertragen.

Bei all dem hin und her, zwischen Liebe und Mord, Flucht und Rückkehr, bei all den Smartphones, Screens, On- und Offline-Situationen sowie ihren Zusammenhängen, gab es eine skurrile Konstante: einen Blumenstrauß, den Ben stets mit sich trug.

Vielleicht eine versteckte Botschaft?

  1. Juli 2017: Werther
  2. Juli 2017: Follower

Vorhang auf, Livestream frei! 😉

Bilder: @onlinetheater.live

Die Fête de la Musique 2017 im Überblick:
digital und mit unseren Tipps für Berlin

Ob piano oder forte, ob Rock oder Pop, ob Solist oder Band, ob drinnen oder draußen, ob Profi oder Hobby-Musiker – bei der Fête de la Musique ist für jeden Geschmack etwas dabei! Alle Jahre wieder feiern Menschen weltweit, zum Sommeranfang am 21.06., das Fest der Musik, the Worldwide Music Day. In den Straßen der insgesamt 540 teilnehmenden Städte, davon 300 in Europa und 47 in Deutschland, finden sich Musikliebhaber zusammen und lassen sich von Klängen unterschiedlichster Natur treiben – den ganzen Tag, zum Nulltarif.

Auch Berlin zelebriert die Liebe zur Musik auf über 100 Bühnen in unterschiedlichen Spots, in allen 12 Bezirken der Stadt. In diesem Jahr sprechen die Veranstalter von einer Rekord-Beteiligung. So sind am Mittwoch über 25 neue Locations mit dabei. Da kann man schon einmal die Übersicht verlieren. Die kostenlose App FETEberlin (erhältlich für iOS und Android) versucht dem entgegenzuwirken. Wir haben sie getestet, verraten Euch, ob sich ein Download zur optimalen Vorbereitung auf Mittwoch lohnt und geben Euch alle weiteren Infos in die Hand, um den Tag musikalisch auskosten zu können.

App FETEberlin

Die App macht Angaben zur Geschichte des musikalischen Festes und klärt über die Regeln zur Straßenmusik auf: Wer darf wann, wie und was musizieren. Die integrierte FdM-Berlin Map verschafft dem Nutzer zunächst einmal einen Überblick über alle Bühnen sowie das jeweilige Programm vor Ort. Wird eine der Locations ausgewählt, so erhält man die wichtigsten Informationen: die Agenda, inklusive Uhrzeiten, Künstler sowie Angaben zum Gerne. Wer lieber direkt nach Bezirk, Bandname, Bühne, Stilrichtung (z.B. Hip Hop, Rock, Raggae, Indie) und/oder Eventart (z.B. Open Air, Indoor, Fête de la Nuit) filtern möchte, kann dies in einer gesonderten Suchmaske ebenfalls tun.

Die YouTube-Playlist FETE-Künstler 2017, auf welche die App verweist, ist gespickt mit den Musikvideos teilnehmender Künstler – so kann man sich bereits im Vorfeld erkundigen, welche Acts interessant und einen Besuch wert sind.

Mithilfe der App können sich die Nutzer einen guten Überblick über die musikalischen Highlights und die benötigten Informationen verschaffen – insbesondere für Kurzentschlossene eine schnelle und effektive Möglichkeit, sich musikalisch durch den Tag zu manövrieren. So findet jeder für seinen individuellen Musikgeschmack die richtigen Locations. Bedenken sollte man jedoch, wie bei allen Veranstaltungen dieser Größenordnung auch, dass in den Ballungszentren die benötigte Internetverbindung schwächeln kann.

Unsere Tipps für Eure Fête de la Musique 2017

Für den ersten Überblick geben wir euch schon einmal einige Tipps für die Fête de la Musique in Berlin mit. Bisher meint es der Wetterbericht gut mit uns, sodass sich die letzten Sonnenstrahlen beispielsweise gut im Birgit & Bier genießen lassen: Auf zwei Open Air Floors wird unter Beweis gestellt, dass auch an ein und demselben Standort unterschiedliche Geschmäcker auf ihre Kosten kommen können. So treten hier die Künstler The Blue Ones (Blues), Rosie and the Amateurs of Speed (Folk), B6BBO (Power Polka), SwingSchlampen (Swing), RasgaRasga (Gipsy, Balkan) sowie Mike Book, DirrtyDishes, Daniel Jaeger und Mr. Schug (Dance, Electro) auf.

Auch auf dem RAW-Gelände im “Badehaus x Cassiopeia Openair” gibt es einen bunten Musik-Mix: Von HipHop, Soul und Funk über Pop, Indie, Alternative oder Garage ist alles dabei.

Der Mauerpark ist jedes mal aufs neue Highlight der Fête de la Musique in Berlin. Im Programm der Red Bull Music Academy stehen Auftritte von Cuthead, Alis, Jameszoo, Dorian Concept, Thundercat und Flying Lotus. In der Vergangenheit besuchten die Mauerpark-Bühne ca. 15.000 Besucher. Leider bleibt uns dabei aber auch eine schlechte Nachricht nicht erspart: Kurz nach der Fête de la Musique beginnen im Mauerpark zwei Jahre andauernde Bauarbeiten. In diesem Zeitraum ist der Park zwar zugänglich, Veranstaltungen dieser Art können dort jedoch nicht mehr stattfinden. Ein Argument mehr, die Location auf dem Plan zu haben – so als Abschied.

Auch leise Töne

Fête de la Musique = laute Party-Sounds? Nicht nur! Schließlich lebt das Fest von seiner musikalischen Vielfalt! So kommen auch die leisen Töne nicht zu kurz. Wer möchte, kann sich zum Beispiel beim Event “Yoga meets Music at BeachMitte”, passend zum gleichzeitig stattfindenden internationalen Yoga-Tag, entspannen. Meditieren statt tanzen – auch das ist möglich.

Wer es lieber klassisch mag, sollte den Tag im Nikolaiviertel verbringen – hier spielen hauptsächlich traditionell klassische Musiker. Auch der Berliner Dom ist mit zahlreichen Chören ein geeigneter Anlaufpunkt – von Barock bis Filmmusik ist hier alles vertreten.

Bis die Wolken wieder lila sind

Um 22 Uhr muss das musikalische Erlebnis noch lange nicht vorbei sein. Beim sich anschließenden Fête de la Nuit kann bis in die Nacht hinein getanzt und musiziert werden. Insgesamt setzen 25 Standorte ihr Programm indoor fort, darunter: Gretchen, Yaam, Kesselhaus-French Night, Tresor Club, Ritter Butzke, Hafenbar Tegel, Mein Haus am See, Musik & Frieden sowie der Void Club Berlin.

 

Die Fête de la Musique Berlin – am Mittwoch, den 21.06.2017
Wetterprognose: sonnig, 25 Grad

– Musik in unseren Ohren!

 

Bild: @Fete berlin,  Fotograf: Dirk Mathesius

Post-Internet Show: eine (digitale) Spielwiese

Die  digitale Welt – für die meisten von uns gelebter Alltag. Dieser manifestiert sich auch im künstlerischen Bereich: Kreative bedienen sich digitaler Möglichkeiten, neuer Software, der Fotografie, des Filmes, sie erschaffen, verfeinern und verbreiten ihre Werke digital. Vor allem aber schöpfen sie aus dem unendlichen Fundus des Internets. Unabhängig davon, ob diese Online-Materialien nun bereits Kunst sind oder nicht, kreieren sie daraus etwas ganz Eigenes, eine neue Art der Kunst. Die Szene fasst diese Tendenz unter Begriffen wie “Post-Internet”, “New Aesthetic “ oder “Net-Art” zusammen. Eine “Nach-Netz-Nutzung” ist darunter jedoch nicht zu verstehen, viele Kunstliebhaber sehen in der Bezeichnung vielmehr eine Haltung.

Im Prinzip sind wir alle, Tag für Tag, digitale Bastler. Die Post-Internet-Art sollte und ist keiner Kunst-Elite vorbehalten, denn sie spielt sich im Online-Alltag ab.

Doch interessanter als eine Begriffsanalyse ist es, künstlerisch zu erkunden, was genau wir mit dem Internet machen und, im Gegensatz dazu, das Netz mit uns. Das dachten sich auch die Initiatoren der Ausstellung Post-Internet Show, welche diese Woche stattfand. 20 Studenten der Universität der Künste präsentierten während ihres Studiums entstandene Werke, die sich kreativ mit Digitalität und Realität sowie ihren Zusammenhängen auseinandersetzen. Die Ausstellung hat sich ausdrücklich nicht zum Ziel gesetzt, den Begriff Post-Internet akademisch zu analysieren, sondern verschiedene Sichtweisen auf unseren digitalen Alltag darzustellen. Dafür startete die Galerie designtransfer der UdK einen Open Call an alle Studierenden – fachbereichsübergreifend und ohne genauere Vorgaben oder Limitierungen: “Keine Definition des Begriffs vorzugeben lässt Raum für verschiedene Interpretationen, Haltungen, Formen und Disziplinen ohne auf eine bestimmte Ästhetik, ein spezifisches Medium, eine einheitliche Aussage oder allgemeine Bedeutung zu beschränken”, so die Veranstalter.

Wir waren vor Ort, sind in die Spielwiese Internet-Post-Show eingetaucht und waren überrascht, wie unterschiedlich, vielfältig und interessant die Perspektiven der Künstler ausfallen. Diese möchten wir Euch nicht vorenthalten und geben einen kleinen Einblick in ausgewählte Werke:

#WE_Selected – Inia Steinbach

Universität der Künste Berlin, designtransfer, Inia Steinbach – „#WE_Selected“

Die Künstlerin Inia Steinbach verdeutlicht wie real unser virtuelles Ich letztlich ist. Als Social Media Nutzer teilen wir täglich mehr oder weniger Informationen über unser Leben und unsere Person. Dazu gehören vor allem Bilder: Wir machen Selfies, fotografieren uns beim Joggen, beim Mittagessen, mit unserem Partner, im Schwimmbad, auf der Uni-Party oder beim Feierabendbierchen. Und auch die Bilder der Beiträge, die wir teilen, stehen mit uns in Verbindung. Inia Steinbach hat eine Jacke entworfen, ummantelt von Instagram-Bildern einer Person – im wahrsten Sinne des Wortes. Damit ruft sie dem Betrachter ins Bewusstsein, was er tagtäglich von sich preisgibt und wie öffentlich das virtuelle Profil ist. Gleichzeitig verschwimmen die Grenzen zwischen Eigen- und Fremdwahrnehmung. In der Projektbeschreibung heißt es:

“Mithilfe dieser Jacke steht einem nun nicht mehr bloß eine anonyme Person gegenüber, die gewohntermaßen kategorisiert und nach ihrem Aussehen, ihrem Akzent oder der Art ihrer Kleidung beurteilt werden kann. Vielmehr kommt es zu einer direkten Konfrontation zwischen dem, wie eine Person von außen wahrgenommen wird und dem, wie eine Person sich selbst aussucht, wahrgenommen zu werden. Die Jacke ist daher zweierlei zugleich: Aushängeschild und Rüstung, Eigenvermarktung und Schutzschild.”

LAYERS OF MYSELF, 2012 – 2017 – Astarte Posch

Universität der Künste Berlin, designtransfer, Astarte Posch – „LAYERS OF MYSELF, 2012 – 2017“

Selfies – sie dominieren die Fotogalerien unserer Handys. Durch sie versuchen wir, uns von unserer Schokoladenseite zu zeigen. Die Lieblingsposition, der Lieblingswinkel: ein Sammelsurium von Selbstporträts, die am Ende doch irgendwie immer das Gleiche darstellen? Ist die Schnittmenge dieser idealen Kleinteile des eigenen Ichs am Ende eine entfremdete Bildhülle? Diese Frage stellte sich die Künstlerin des Werkes “Layers of myself” und legte all ihre Selfies, die sie in den Jahren 2012 – 2017 angefertigt hatte übereinander. Die Überlagerung ist offensichtlich und doch wirkt das “Bild der Bilder” kompakt, so als wäre es EIN Bild, lediglich etwas verwackelt.  “Das bin ich, anscheinend”, resümiert die Studentin.

POLYLOGUE – Andreas Unteidig, Lutz Reiter, Fabrizio Lamoncha, Blanca Dominguez Cobreros

Universität der Künste Berlin, designtransfer, Andreas Unteidig, Lutz Reiter, Fabrizio Lamoncha, Blanca Dominguez Cobreros – „POLYLOGUE“

„Polylogue“ ist eine interaktive Installation, bestehend aus zwei schwarzen durchsichtigen Boxen zwischen denen sich der Streifen einer Papierrolle in eine Richtung bewegt. Auf diese werden dann kontinuierlich Nachrichten von den Endgeräten der Besucher gedruckt, die sich mit dem entsprechenden Wi-Fi verbinden. Es öffnet sich online eine Seite, auf derer die Botschaften eingegeben werden können. Je mehr Menschen dies nutzen, desto dichter wird der Text. Es kann auch zu Überlagerungen kommen. Je mehr Gesprächsstoff, desto schnelllebiger ist also die einzelne Message. Die zweite Box spuckt am Ende den Papierstreifen recycelt aus. Das Projekt-Team sieht in „Polylogue“ “die Antithese zum ‚ewigen Gedächtnis‘ des Internets, da die Nachrichten und ihre Beziehungen nur situativ existieren. Im Gegensatz zu digitalen Nachrichten, die häufig über mehrere tausend Kilometer verschickt werden, reisen Nachrichten, die an Polylogue vermittelt werden, maximal 2 Meter, bis sie ihre finale Destination erreichen.” In diesem Kontext erhält die Flut an Textnachrichten und Chatverläufen eine neue Bedeutung. Gleichzeitig wird genau diese erlebbar.

GET THE PICTURE by Pascal Kress – Lucas Liccini

Universität der Künste Berlin, designtransfer, Lucas Liccini – „GET THE PICTURE by Pascal Kress“

Das Projekt „Get the picture“ zeigt, zusammengefasst in einem Buch, Bilder aus dem Netz, welche unter einem bestimmten Suchbegriff auftauchten. So kommt es, dass wir zum Thema „Lust“ sowohl auf einen Liebesakt von zwei Nacktschnecken, als auch auf eine lassiv daher kommende Hausfrau gestoßen sind. Unter dem Stichwort “gut” findet sich sowohl ein Foto eines Modelleisenbahnliebhabers als auch eine Couch-Potato-Messie Situation, die nach einem heiteren Abend mit viel Bier aussieht. Lucas Liccini stellt hauptsächlich jeweils zwei Suchergebnisse zu einem Begriff gegenüber. Das Werk zeigt die Dynamiken des Netzes sowie der Bildassoziationen und “fragt nach Sichtbarkeit, Lebensdauer und der Notwendigkeit der Bilderflut, der wir tagtäglich auf unseren Bildschirmen begegnen. Was sagen uns diese Bilder in dem neuen Kontext des gedruckten Buches?”.

SWAPPED REALITY – Johannes Jakobi

Universität der Künste Berlin, designtransfer, Johannes Jakobi – „SWAPPED REALITY“

Johannes Jakobi entwickelte zwei Virtual-Reality-Brillen, mit deren Hilfe man die Welt durch die Augen des anderen sehen kann. So wird das Sichtfeld des einen Trägers auf die Brille des anderen übertragen und umgekehrt. Der Nutzer kann sich somit sogar selbst von außen, durch die Wahrnehmung einer anderen Person betrachten und erleben. Verwirrend und spannend zu gleich!

LIQUID01 – Ray Washio

Universität der Künste Berlin, designtransfer, Ray Washio – „LIQUID01“

Fotos können Momente festhalten, doch sie frieren sie auch ein. Der Student Ray Washio versucht “den Fotos dauerhaft Zeit einzuhauchen”, indem er Fotografien digital bearbeitet: “Es weht ein Wind. Diese Atmosphäre zwingt uns, die Zeit wahrzunehmen.” Die Fotos bleiben bestehen, lediglich einzelne Elemente, wie Brillengläser oder eine Einkaufstüte, wurden vom Künstler in Bewegung gesetzt und bilden so einen Kontrast zum restlichen Bildausschnitt.

UNCONSCIOUS – Ray Washio

Universität der Künste Berlin, designtransfer, Ray Washio – „UNCONSCIOUS“

 

Google Maps arbeitet mit Algorithmen sowie einer automatischen Gesichtserkennung zwecks Anonymisierung.  Ray Washio versucht sich als Mensch in derartige Prozesse hineinzuversetzen und so die Wirkmechanismen derselbigen zu hinterfragen. Er fotografierte Personen in einer U-Bahn in Tokyo und anononymisierte sie manuell und digital durch Verfremdung. Der Künstler beschreibt:
“Der Unterschied zu einem automatisierten System, wie es Google Map verwendet, ist, dass ich dies manuell machte. Dieser Kontext erlaubte mir, wirklich zu hinterfragen: „Was ist Privatsphäre?“ und „Was bedeutet ein automatischer Versteck-Effekt – für uns und unsere Privatsphäre?“.

Datenschutz und Privatsphäre sind gut und wichtig, die auf den Fotografien verfremdeten Gesichter lassen dennoch auf irgendeine Art und Weise ein verstörendes Gefühl aufkommen und stimmen nachdenklich.

/r – Benedikt Rottstege

Universität der Künste Berlin, designtransfer, Benedikt Rottstege – „/r“

 

„Betreten auf eigene Gefahr“ – kam uns in den Sinn, als wir uns dieses Projekt näher anschauten. Hier wird der Besucher schonungslos konfrontiert – mit den Bildern des  4chan Random-Boards. Dies ist eine der meist besuchten Internetseiten,  auf welcher die User Bilder aller Art anonym hochladen und kommentieren können. Es erscheinen ständig neue Bilder, sodass diese in der Masse an Daten schnell untergehen. Das Projekt „r/“ unterstreicht diese Kurzlebigkeit. Es speist den Bildschirm live, fortwährend und überlagernd mit all den Dingen, die die Nutzer des 4chan Random-Boards so interessieren. Welche das so sind? Ihr ahnt es schon…

A LOOP LOOPS – Hara Shin

Universität der Künste Berlin, designtransfer, Hara Shin – „A LOOP LOOPS“

 

Das Netz: unendliche Weiten, riesige Datenmengen und das tagtäglich. Die Künstlerin lässt “unzählige Bilder von Monitoren als Miniaturbilder, Video Clips, GIF-Dateien, Pop-Up Werbung und private Bilder auf Online-Nachrichten-Seiten, Online Communities und Online Chats” erscheinen. Angezeigt werden ebenfalls fortlaufend die dazugehörigen HTML-Codes. Durch die Verbindungen derartiger Community-Fragmente wird deutlich, wie sich “die Grenzen ihrer eigenen Hierarchien” aufheben und so neue Kontexte entstehen.

‘ONLY A FAD’ – A modern reliquary – Isabella Asp Onsjö

Universität der Künste Berlin, designtransfer, Isabella Asp Onsjö – „‘ONLY A FAD’ – A modern reliquary“

Was, wenn es doch ein Nach-Internet gibt? Vielleicht ja auch nur eine ganz neue Form dessen? Wird das Internet verschwinden? Isabella Asp Onsjö fragt sich mit Blick in die Zukunft: “in der katholischen Kirche ist die Reliquie ein antikes Überbleibsel von etwas, das als heilig galt. Etwas, das so bedeutend ist, dass es das Potential hat, von Tausenden verehrt zu werden. Was wird von unserer Gesellschaft geschaffen, das in Zukunft diesen Status innehaben könnte?”. Sie materialisiert den Gedankengang das Internet sei eine längst vergangene Reliquie, indem sie ein Häuschen aus Ton konstruierte und es mit diversen HTML-Codes beschriftete. Das Haus ist in Anlehnung an eine Virtual-Reality-Brille gestaltet. Über das Dach kann der Betrachter in die Reliquie schauen. Darin zu sehen ist ein vor Jahrzehnten für und mit Kindern produziertes Erklärvideo über das Digitale sowie das Internet. Kann und wird das Netz jemals eine (moderne) Reliquie sein?

Unwahrscheinlich. Aber bei all den neuen Kunstformen, die sich daraus ergeben, ist dem Digitalen seine Bedeutsamkeit und Heiligkeit ganz eigener Art nicht abzusprechen. 

Bild: @Universität der Künste, designtransfer, Andy King

Die documenta 14 zwischen Kritik, Krise, Politik und Zusammenhalt

Von Athen lernen – so lautet das offizielle Motto der am Samstag in Kassel eröffneten documenta 14 – der weltweit größten und bedeutendsten Ausstellung zeitgenössischer Kunst. Bis zum 17. September 2017 können Besucher dort internationale Werke bestaunen. Wie das Motto bereits impliziert, findet die Ausstellung in diesem Jahr erstmals an einem zweiten gleichberechtigten Standort statt: in Athen. Der Kurator und künstlerische Leiter der documenta, Adam Szymczyk, gibt Aussicht auf einen “bedeutungsvollen und spannenden Lernprozess”, der uns helfen soll, die Welt um uns herum zu verstehen und durch unterschiedliche Perspektiven zu beleuchten.

Doch in Griechenland machte sich bereits zum dortigen Start der Ausstellung im April Protest breit. So begegneten dem internationalen Kunstpublikum in den Straßen Anti-documenta-Graffitis, wie “crapumenta 14”. Das “crap” in der Abwandlung von documenta, steht übersetzt für “Mist”, “Scheiß” oder “Unsinn”. Auf einer anderen Mauer fragt sich ein Sprayer: „The crisis of a commodity or the commodity of crisis?“ Der ehemalige Finanzminister Yanis Varoufakis lies in diesem Zusammenhang das Wort „Krisentourismus“ fallen. Der ehemalige Syriza-Abgeordnete Zoe Konstantopoulou geht noch einen Schritt weiter in Richtung deutsch-griechischer Vergangenheit und twittert vernichtend: „Die Nazis kommen wieder, nur mit anderen Mitteln.“

Kunst auf Kosten anderer? Missbrauch von Leid und Armut? Oder eine Bekämpfung eben dieser? – Was bedeutet die Wahl Athens als zweite Ausstellungsstadt der documenta 14? Wir haben einige Stimmen gesammelt.

Klingt der Leitsatz der documenta 14 im ersten Moment noch positiv und lehrreich, ist er im Nachgeschmack doch etwas irritierend, vor dem Hintergrund der aktuellen und internationalen gesellschaftlichen sowie politischen Situation, Griechenlands Schuldenkrise, der Flüchtlingsthematik und europäischer Instabilität, für manch einen gar provokativ. Ähnlich äußerte sich Bundespräsident Steinmeier in einer Rede zur Ausstellung: “(…) der Titel dieser documenta zielt auf die Gegenwart, auf die politischen und ökonomischen Gräben zwischen uns, die wir – so verstehe ich die Botschaft – zu überwinden haben.” Für Szymczyk, der das Motto formulierte, steht Athen für die globale Finanzkrise sowie die Krise Europas. Die documenta könne in diesem Zusammenhang die Teilung Europas erforschen und eine Kooperation auf Augenhöhe ermöglichen. Für ihn ist die Lage Europas viel zu heiß, als dass die documenta sie eiskalt ignorieren könnte und das internationale Publikum allein im beschaulichen und netten Kassel willkommen geheißen werden sollte.

Hier liegt auch der Ursprung für die Wahl der Hauptstadt Griechenlands als zweiten Ort der Kunstausstellung: „Ich wurde gebeten, einen Vorschlag für die documenta in Kassel einzureichen. Und das rief bei mir gleich viele Fragen hervor: Warum die documenta? Warum in Kassel? In mir waren plötzlich jede Menge Warums. Und ich wäre unzufrieden damit gewesen, eine irgendwie nette und intelligente Ausstellung für eine mir vorgegebene Stadt vorzuschlagen, während die Situation politisch und wirtschaftlich langsam heiß wurde – insbesondere im Süden Europas. Also begann ich, mich nach einer Möglichkeit umzuschauen, den ursprünglichen Spielort in Kassel beizubehalten und gleichzeitig auch einen ganz anderen Standpunkt zu finden, von dem aus man die Dinge anders sehen und lesen kann“, so der polnische Kurator Szymczyk.

Ein Widerspruch in sich?

Die Glaubwürdigkeit dieser Intention, einer Zusammenarbeit auf Augenhöhe, wird in Frage gestellt und stößt auf Gegenwind. 34 Millionen Euro stehen der documenta über einen Zeitraum von fünf Jahren als finanzielle Mittel zur Verfügung. Kritikern missfällt es, dass eine derartig kostspielige und noch dazu deutsche Kunstausstellung ausgerechnet mit dem von Finanznöten geplagten Griechenland und im Lichte der deutsch-europäischen Sparpolitik eine Kooperation eingeht. Doch vielleicht ist genau das ein einseitiges Vorurteil über ein angebliches Vorurteil, ein Tunnelblick, der Deutschland als aktiv und Griechenland als passiv betitelt. Bundespräsident Steinmeier verweist in seiner Rede auf das Symbol der documenta, die Eule: “Die Demokratie, davon bin ich überzeugt, lebt von einer Perspektive, die möglichst viel und mit großer Tiefenschärfe in den Blick nimmt, wie die Eule, die uns hier als Symbol der documenta allerorten begegnet. Die Eule kann ihren Kopf um 270 Grad drehen. Ich will diese Übung niemandem zur Nachahmung empfehlen. Aber wir können lernen, uns umschauen, einander wahrnehmen und genauer hinschauen – das können wir sehr wohl. Und das sollten wir auch, wenn wir asymmetrische, einseitige Beziehungen zwischen unseren Ländern vermeiden wollen.”

Flucht und Migration als internationale Themen

Auch wenn diese Ansicht fast schon simpel klingt, ist sie doch heute wichtiger denn je, auch wenn gegenseitige Unvoreingenommenheit selbstverständlich sein sollte, ist sie es heute immer seltener. Insbesondere aktuelle Themen, wie Flucht und Migration, die uns alle indirekt betreffen, erfordern eine gegenseitige Unterstützung der Länder und werden von der documenta aufgegriffen. So zeigt beispielsweise die Künstlerin Rebecca Belmore auf dem Philopappos-Hügel, gegenüber der berühmten Akropolis, symbolisch zum Thema Flucht ein Zelt aus Marmor. Ein Zelt kreierte auch Künstler Mounira Al Solh aus dem Libanon und beschichtete die Innenwand mit den Erlebnissen von Geflüchteten aus Unterkünften in Kassel. Diese Beispiele zeigen, dass das Leben und die Kunst keine Grenzen kennen und wie Geschichte, Kreativität und gesellschaftliche sowie politische Themen vereinbar sind.

International oder regional?

Neben der politischen Dimension sehen einige griechische Stimmen die Kunst des eigenen Landes nicht genug gewürdigt und unterstellen der documenta in Athen eine Art unglaubwürdige Parallelwelt zu sein, die der wahren Kunst Griechenlands keine Plattform bietet: „(…) natürlich gibt’s auf der documenta tolle Kunst zu sehen. Aber man muss sich mal das große Ganze angucken. Ich war bei der Eröffnung im Museum für Zeitgenössische Kunst: Da waren viele Leute aus der internationalen Kunstszene, mit ihren schicken Klamotten. Und vor den Türen des Museums: Da war das richtige Athen, mit seinen Gerüchen, seinen Geräuschen, seinen Problemen. Aber drinnen hat man davon rein gar nichts gespürt. Diese Ausstellung hätte genauso gut in Zürich, in Basel oder sonst wo stattfinden können”, so die die Künstlerin Poka-Yio.

Viele Griechen sind enttäuscht, dass vergleichsweise wenig griechische Künstler an der documenta teilnehmen. Sie gingen davon aus, die documenta würde vollkommen in die künstlerische Szene Athens eintauchen. Doch sie ist und bleibt eben eine internationale Kunstausstellung: „Die documenta gehört vielen Menschen jenseits der nationalen Grenzen.“, so Adam Szymczyk. Die Leiterin des documenta Büros in Athen, Marina Fokidis, entgegnet dem außerdem, dass die documenta für viele griechische Künstler eine große Chance darstellt, neue Kontakte und ein internationales Netzwerk zu knüpfen.

Eine Symbiose

Für die Galeristin Marina Athanassiadou kann die documenta in Griechenland neue Impulse geben und einen Fortschritt einleiten: „Ich glaube, es ist das erste Mal, dass hier in Athen die Straßen für ein Kunst-Event gesperrt werden. Sonst passiert das nur, weil wieder irgendwo demonstriert wird: Wenn’s um die Finanzkrise geht oder um die Europäische Union. Wir haben die Nase voll von diesen Demos. Und jetzt findet mitten auf dem Syntagma-Platz plötzlich eine Kunst-Performance statt. Das macht die Leute neugierig, weil es etwas Neues ist. Sie gehen hin und fragen, was da los ist. Und wer fragt, der lernt.“
Doch auch für das Herzstück der documenta und ihre Mutterstadt Kassel, kann Athen eine Bereicherung sein. Vinzenz Brinkmann sieht in Athen für die Kunstausstellung eine Chance: „Szymczyk rettet die Idee der documenta“. Der Archäologe spricht von zu überwindenden „Abnützungsfaktoren“. Seiner Meinung nach sei die documenta ursprünglich „aus der Irritation heraus“ entstanden. Dadurch, dass die Ausstellung durch den Ort Athen erweitert wurde, hat der Kurator „der Idee des Widerständigen neue Kraft gegeben“, sagt er. Statt Abstumpfung, Oberflächlichkeit und Event: Tiefe, Intention und ein Verlassen der Komfortzone. Statt Krisentourismus, Krisenbewusstsein und ein gemeinsames Reflektieren über mögliche Lösungen.

Demnach sollte nicht gefragt werden: Athen als zusätzlicher Ausstellungsort der documenta – ja oder nein? Und schon gar nicht: Kassel oder Athen? Auch sollte das Novum der aktuellen documenta 14 nicht als Wettbewerb zwischen Kassel und Athen angesehen werden. Zugegeben: das Motto “von Athen lernen” impliziert zunächst eine Ironie und für manch einen vielleicht sogar eine Demütigung der Griechen, sollte aber nicht als solche aufgefasst werden. Denn die Intention ist nach Betrachtung der Schilderungen eine andere: gegenseitige Bereicherung. Das klingt vielleicht etwas optimistisch und einfach. Aber manchmal liegt genau in diesem “weniger ist mehr” die Kunst.

Das dachte sich auch der kosovarische Künstler Sokol Beqiri und pflanzte im Rahmen der documenta eine kleine Eiche auf das Gelände der Technischen Universität in Athen, ein griechisches Bäumchen, veredelt mit den Ästen jener Eichen, die vor mehr als 30 Jahren von dem deutschen Künstler Joseph Beuys in Kassel gepflanzt wurden.

Die documenta 14
documenta14.de
Kassel: 10. Juni – 17. September 2017
Athen: 08. April – 16. Juli 2017

 

Bild 1: @Fanis Vlastaras; documenta 14; Künstlerin: Rebecca Belmore, Biinjiya’iing Onji (Von innen), 2017, Marmor, Filopappou-Hügel, Athen
Bild 2: @heb_beh
Bild 3: @Dimitris Parthimos; documenta 14; Künstler: Sokol Beqiri, Adonis, 2017, gepropfter Baum und Marmor, Polytechnion, Athen

Das FridaMoji: geschmacklos oder innovativ?

Im Dschungel der Emoticons zieht eine Kunstikone ein: Frida Kahlo. Die sogenannten „FridaMojis“ sind ab sofort via App erhältlich.

Die Reaktionen der Netzgemeinde reichen von einem “wonderful”, “inspiring”, “creative”, bis hin zu: “what is this? it’s horrible… be ashamed! you created a frightening puffy alien but certainly not a ‘depiction’ of Frida”. Ist diese Kritik berechtigt oder entsteht hier nicht gar eine neue Art von Kunst?

Ein Bild der eigenen Geburt, auf welchem die Mutter bereits verstorben ist. Ein Bild des eigenen gespaltenen Brustkorbes, die Haut mit Nägeln besetzt, Totenmasken, Fleisch und Fischabfälle, in den Körper einverleibt – Frida Kahlos Werke sind nicht ohne! Es sind intime, nachdenkliche, ernste, ja zum Teil sogar brutale, verstörende, in erster Linie aber tiefgründige Abbildungen. Vielen ist die mexikanische Künstlerin vor allem durch ihre Monobraue bekannt. Ihre zahlreichen Selbstporträts zeigen sie meist vor dem Hintergrund farbenfroher Natur. Oft an ihrer Seite: Affen und Blumen. So wirken einige ihrer Bilder zwar auf den ersten Blick etwas naiv, bunt und verspielt, doch ein genauerer Blick offenbart letztlich in jedem ihrer Werke einen Schmerz, eine nachdenkliche Stimmung – und sei es allein der ernste Gesichtsausdruck der Malerin, der diese vermittelt.

Man stelle sich nun Frida Kahlo und ihre Kunstwerke als bunte, verspielte und knuffige Emojis vor, die im Gegensatz zu den Werken der Malerin primär positiv und leichte Ironie anmuten. Kulturell anspruchsvolle Gemälde, übersetzt in ein modernes Kommunikationsbeiwerk. Nicht möglich? Und ob! Das dachte sich sowohl die Instagram-Community als auch der in Los Angeles lebende Grafikdesigner Sam Cantor. Er und sein Team entwickelten, in Kooperation mit der Galerie Cantor Fine Art, eine Kollektion von über 160 sogenannten “FridaMojis”. Die Follower konnten zuvor in einer Online-Abstimmung auf Instagram unter mehreren Künstlern auswählen und so den Ausgangspunkt für das Projekt “Museumito” bestimmen. Die Entscheidung fiel auf die bekannte Malerin Frida Kahlo, deren Einzigartigkeit sich in den kreierten Emoticons widerspiegelt. Diese greifen die markanten Elemente der Originalbilder auf und denken ihre Bedeutungen weiter: einerseits, indem sie die Gedanken Frida Kahlos in den Kontext unseren heutigen Alltags stellen und sie andererseits zum Teil sogar emotional umkehren.

Die Trivialisierung einer Kultfigur?

Frida Kahlo hat mit ihren surrealistischen Werken Kunstgeschichte geschrieben und ist postum zu einer Kultfigur geworden. Heute sind ihre Bilder gefragt, Millionen wert. In den 70er Jahren wurde sie zum Vorbild der Frauenbewegung und weltbekannt. In ihren Bildern verarbeitete sie eigene Gedanken, Lebenskonflikte und Schicksalsschläge. Nicht zu verkennen ist auch ihre Bedeutung als Modeikone. Durch ihren unverkennbaren Look, in welchem sie folklorische und extravagante Elemente miteinander verband, sich aber auch mal in einem Hosenanzug präsentierte, gilt sie in der Branche bis heute als eine Inspiration.

Bei dieser Bedeutsamkeit werden kritische Stimmen laut, die eine Neuinterpretation von Frida Kahlos Bildern in Form von Emoticons ablehnen, da sie dem Schaffen der Künstlerin, ihrer Meinung nach, nicht gerecht werden. So argumentieren Gegner der FridaMoji, dass Emoticons doch lediglich einfache, schmückende Beiwerke von Textnachrichten und Online-Chats seien, welche Konversationen nicht ausmachen, sondern “nur” ausschmücken und eine technische Spielerei darstellen.

Ein Aufschrei der Kunstliebhaber:

Deborah Wood: “Even more trivialisation and commodification of a great artist -tacky.”

Elise Nicole: “Her life was short and filled with constant horrible pain and tragedies but hey let’s take the art she made and turn it into simple fun emojis! This is so insulting.”

Shania Naderipour: “Her work was really complex, and represented personal and political struggles on a deeply human level. This is so the antithesis of what she stood for I think. I don’t think she would have been pleased. Stop trying to profit on her pain.”

Richard Lawrence: “it feels strange… as if she’s just an eccentric character and is famous for her looks. so many people use her image on clothes and other products to make money, it’s annoying… the woman had the courage to bare her soul and now is turned into cute little creatures for people to use on their phones, perhaps to decorate shallow conversations. Poor Frida!”

Nein! Eine Hommage an eine Kultfigur!

Emoticons und Fridas Werke haben eine Gemeinsamkeit: Emoticons laden schriftliche Aussagen mit Emotionen auf, sie können Gestik und Mimik ersetzen und einer Textnachricht die finale Botschaft verleihen. Das Herzstück von Frida Kahlos Gemälden sind Emotionen, sie sind die Grundlage für ihr Schaffen. Dies sah auch FridaMoji-Macher Cantor als ausschlaggebenden Faktor an: “Frida was just perfect for the project. She conveyed her emotions so honestly and openly in her work. What better artist to translate into emoji, which we use to express emotion today?” Der Unterschied liegt darin, dass Emojis an sich spielerisch und lustig, Frida’s Werke hingegen „schwer“ wirken. Da kommt einem spontan das Gefühl auf, nicht zu wissen, ob man dieses Projekt gut oder schlecht finden soll und vor allem darf. Doch genau dieser Stilbruch ist eine neue Art der Kunst.

Eigentlich sind die Frida-Emoticons sogar eine Hommage, ein digitaler Feldzug der Erinnerung an die Künstlerin und ihr Werk. Sie rufen die Malerin auch zukünftigen Generationen ins Gedächtnis. Gleichzeitig stellen sie einen Versuch dar, ihre Gedanken neu zu beleuchten. Es heißt die Gedanken bestimmen unser Leben. In jedem Schmerz, jedem Scheitern, kann eine Chance liegen sich weiterzuentwickeln und so negative in positive Emotionen zu transformieren. Durch den Perspektivwechsel ergibt sich ein ganz eigener neuer künstlerischer Anspruch, der Fridas Schaffen ehrt und bewahrt, aber auch erweitert und dadurch bereichert.

Findet ihr auch? Klickt euch einfach mal selbst durch!

Die englischsprachige App FridaMoji ist für iOS erhältlich und leicht auf dem Smartphone zu installieren. Doch auch Android-Nutzer können hoffen: laut der Frida Kahlo Corporation ist ab nächster Woche eine Android-Version erhältlich. Der Download ist, ebenso wie die Verwendung von ausgewählten FridaMojis, kostenlos. Bei Bedarf, beziehungsweise auf Wunsch, können weitere Motive (auch als Paket) hinzugebucht werden. Die Vorschau von preisgebundenen Emojis ist umso verlockender, da die Auswahl der gebührenfreien Bilder doch leider etwas begrenzt ist.

Wer seinem Chatpartner FridaMojis schicken möchte, kann sich aus einem mehr oder weniger großen Pool bedienen. Zur Auswahl stehen unter anderem:

Las Fridas: Smiley-Klassiker im Frida Style
Queen of Pain: Frida’s Melancholie ist ein extra Bereich gewidmet
Los Animales: Affen – natürlich! Rehe und Pandas und Co.: viele süße Emojis, aber auch eine Kahlo als erlegter Hirsch
Viva La Vida: eine Rubrik, so bunt und detailliert wie das Leben

In der zuletzt aufgeführten Kategorie finden sich einige Abwandlungen ihrer bekanntesten Werke. In Anlehnung an Fridas „Selbstbildnis mit abgeschnittenem Haar“, gibt es beispielsweise ein Emoji, in welchem sie sich, im Gegensatz zum Original,  gemeinsam mit ihrem Affen fröhlich und munter ans Werk macht, sich ihrer Haarpracht zu entledigen. Aus dieser Ironie ergibt sich so eine ganz eigene Kommunikationsform und -möglichkeit.

Emotionen zeigen! Mit Frida!

Was würde wohl Frida von all dem halten? Wahrscheinlich wäre sie über ihre neue Online-Präsenz erfreut, würde es als Querdenkerin begrüßen, zu neuen und ungewohnt gewohnten Ufern aufzubrechen. Vielleicht hätte man ihr gar ein Lächeln entlocken oder ihr helfen können, sich sogar selbst neu zu entdecken. Wir finden: Emoticons sind in der Online-Kommunikation essentiell, sie zeigen Emotionen, die nicht immer nur mit Worten beschreibbar sind. Frida’s Werke stehen für Emotionen. Warum also nicht beides kombinieren und Frida Kahlo’s Erbe bewahren, es neu erfinden und es zum Beispiel mit positiven Stimmungen aufladen?

Frida ist Kult! FridaMojis sind Online-Kult!

Video: @ Frida Kahlo Corporation, Museumito
Bild 1: @ Frida Kahlo Corporation, Museumito
Bild 2: @ Frida Kahlo Corporation, Museumito; flickr
Bild 3: @ Frida Kahlo Corporation, Museumito

Wie das Netz Kunst und Künstler neu definiert

In der Kunstgeschichte ist der Begriff des Genies fest verankert. Spätestens seit dem Zeitalter des “Sturm und Drang” wird der Schöpfer über sein Erzeugnis erhoben. Jene Ära huldigte dem Geist der Aufklärung, trug paradoxerweise jedoch auch zur Mystifizierung des Schaffungsprozesses der künstlerischen Klasse bei. Eine beinahe geschlossene Gesellschaft, welche aus Mentoren und deren Protegés bestand, entwickelte sich zu einem elitären System – eine sich selbst erhaltende Subkultur, in der bloß das berühmte “Vitamin B”, Kontakte und Empfehlungen, aufgenommen wurde. Denn Kunst machen und verkaufen konnten bisher nur diejenigen, welche Teil der Szene waren oder jemanden aus der Szene kannten. Inzwischen ist alles anders: Das romantisierte Bild der privilegierten Künstler-Bohemians mit einer einzigartigen Begabung, genügend Kontakten und Ressourcen hat seit der Digitalisierung keinen Bestand mehr. Das Netz, frei zugängliche Informationen und gestalterische Dienstprogramme haben zu einer Demokratisierung der Kunst geführt. Kunst ist nicht länger das Privileg weniger Auserwählter, sondern der Lifestyle vieler. Sie ist Teil dessen, was es heißt, User zu sein.

Das Verständnis von Kunst und Kreativität hat sich gewandelt. Inzwischen kann jeder Künstler sein. Im Internet ist das Urheberrecht bloß noch ein blasser Schatten, welcher bloß noch dem Geschäftsmodell der Kunsthändler dient, jedoch selbst bei Künstlern keine große Strahlkraft mehr besitzt. Copy Paste, Recycling, Remix: Das Original scheint es nicht mehr zu geben. Alles neue ist die Kombination von bereits existierendem. Schaffungsprozesse sind systematisiert und beliebig editierbar. Jeder kann sich ausprobieren, jeder kann sich bedienen; jeder besitzt eine Kamera, jeder ein Bildprogramm – oder zumindest Instagram oder (next level) die Prisma-App. So werden Künstler zu Kuratoren, welche dem, was sie mögen, einen eigenen Stempel aufdrücken. Künstler sind Sammler, die neu editieren – diese Definition kann auf jeden Menschen zutreffen, welcher die Möglichkeit dazu besitzt. Joseph Beuys hat mit folgendem Statement zu diesem Kunstverständnis beigetragen: “Jeder Mensch ist ein Künstler. Damit sage ich nichts über die Qualität. Ich sage nur etwas über die prinzipielle Möglichkeit, die in jedem Menschen vorliegt…Das Schöpferische erkläre ich als das Künstlerische, und das ist mein Kunstbegriff.”

Das Kommunikationsverhalten des Users hat sich mit den neuen Möglichkeiten gewandelt: Jeder kommuniziert durch Bilder. Der obligatorische Satz darunter wird zum Beiwerk – es sei denn, der User begreift sich als Poet. Hashtags geben den Wortkünstlern eine weitere Möglichkeit des kreativen Selbstausdrucks und bieten gleichzeitig eine strategische Maßnahme, um das eigene Werk zu positionieren und sichtbar zu machen. Und sie alle bedienen sich an dem Bilderschatz in der Cloud, nehmen sich, was sie brauchen und bereichern ihn mit den eigenen Kreationen. Wenn es eine Kunstrichtung gibt, welche das digitale Zeitalter hervorgebracht hat, dann lässt sie sich unter dem Begriff Mashup zusammenfassen. Die neuen Möglichkeiten hinterfragen die Bedeutung der Kreativität und den Auftrag des Künstlers. Die Schule des Bauhaus hat deutlich gemacht, dass Kunst aus dem Alltag erwächst und ebenso die Lebenswirklichkeit des Menschen komplementiert. Selbst Gebrauchsgegenstände können Kunst sein – hier befindet sich die Schnittstelle zum Design. Durch digitale Prozesse entwickelt sich jedoch der Alltag selbst zu einem Ort der Kunst. Denn Mensch sein bedeutet heute User zu sein. Und der User ist nicht bloß mehr Consumer, sondern auch Producer – er ist Prosumer. Er gestaltet mit, nicht nur den Diskurs, sondern auch Ästhetik und kreative Prozesse. Letztendlich erfüllt sich, was viele Künstler zuvor propagierten und sich wünschten: Der aktive Betrachter.

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Durch die Vermengung von Selfmade-Kunst der Iphone-Dilettanten mit den Werken und Analysen gebildeter Künstler entsteht, welches die Avantgarde einst zu erreichen versuchte: die Auflösung von autoritären Strukturen. Schließlich kann jeder kreativ sein, denn jeder kann persönlich sein. Der Mensch ist das Unikat, welches dem Werk die Bedeutung schenkt.

Ein Blick in die digitale Zukunft – Die CeBIT 2017

Ende März ist es wieder soweit: Die CeBIT öffnet ihre Türen. Vom 20. – 24. März präsentieren über 3000 Aussteller, darunter über 450 Start-Ups und namenhaften Unternehmen, die neuesten technologischen Innovationen der letzten Monate. Partnerland ist in diesem Jahr Japan.

AI, humanoide Roboter, IoT und Virtual Reality – das sind die Kernthemen in diesem Jahr

Klar ist: Das Angebot der CeBIT an neuer Technik, visionären Ideen und aktuellen Forschungsergebnissen ist so umfangreich, dass es sich nicht in einige wenige Kategorien einteilen lässt. Dennoch bilden klare Schwerpunkte heraus.

Artificial Intelligence – Chancen und Risiken

Das Thema Artificial Intelligence begleitet uns schon einige Zeit und so scheint es nur folgerichtig, dass die Errungenschaften der Forschung in Bezug auf das Denken von Maschinen ein zentraler Punkt der diesjährigen CeBIT ist. Dabei finden auch Innovationen aus dem Bereich der Medizin einen Platz. Künstliche Intelligenz beschränkt sich längst nicht nur auf Aufwendungen im Alltag. Sie wird in Zukunft alle Lebensbereiche durchdringen und „erweitern“. Neben der Bewunderung dessen, was heute schon möglich ist, soll das Thema aber auch kritisch beleuchtet werden. Dazu haben die Organisatoren Experten auf dem Gebiet als Sprecher eingeladen. Bei ihren Vorträgen soll es auch um die Problematiken gehen, die sich in Zukunft aufgrund der neuen Errungenschaften zeigen werden. Wird unsere Arbeitskraft überflüssig? Schafft sich der Mensch selber einen intelligenten Feind?

Der Roboter als Freund und Helfer

Neben der Künstlichen Intelligenz zieht eine andere Technologie die Aufmerksamkeit auf sich: humanoide Roboter. In Deutschland sind diese im öffentlichen Leben noch kaum anzutreffen, in Japan hingegen gehören sie bereits dazu. Sie leiten Passagiere am Flughafen zum richtigen Gate und sind in der Lage Stimmen und Bilder so genau zu verarbeiten, das eine Interaktion ermöglicht wird. Auch in anderen Bereichen, etwa in der Altenpflege, sind Roboter auf dem Vormarsch.

Die vollständige Vernetzung – das Internet of Things

Auch die Möglichkeiten des vernetzen Leben sollen in diesem Jahr wieder zu bestaunen sein. Mit dem Internet of Things soll unser Alltag ein neues Gesicht bekommen. Neben Anwendungen die sich dem Smart Home zuordnen lassen, stehen zunehmend auch die Möglichkeiten in Bezug auf den Verkehr und Infrastrukturen im Fokus. Das US-amerikanische Unternehmen Cisco schätzt, dass 2015 mehr als 50 Milliarden Geräte mit dem Internet verbunden sein werden. Nun stellt sich zunehmend die Frage nach der Sicherheit einer so umfangreichen Vernetzung. Auch das Thema der Digital Security soll deshalb von Experten auf der CeBIT beleuchtet werden.

Virtual Reality – nicht nur für Spiele

Virtual Reality (VR) wird vor allem mit der Gamer-Szene in Verbindung gebracht. Auch im medizinischen Bereich werden die ersten Anwendungen getestet, die für die Ausbildung beispielsweise von Chirurgen genutzt werden können. Zunehmend erschließt nun noch eine andere Branche den Markt: der Tourismus. So können die Brillen auch genutzt werden um potenzielle Urlauber schon vorab durch die Hotelanlage zu führen. Einer Studie zufolge gehen über 70 Prozent der Unternehmen aus der Tourismusbranche davon aus, dass die Erkundung des geplanten Urlaubsziels vor der Buchung schon 2025 verbreitet sein wird.

Eine Erweiterung von VR stellt zudem die Augmented Reality (AR) dar. Bei diesen Anwendungen wird dem realen Umfeld noch etwas hinzugefügt. Etwa so, wie dies bei dem Augmented-Reality- Spiel Pokémon Go der Fall ist. Auch hier bietet die CeBIT eine Bühne für alle neuen Weiterentwicklungen.

Japan ist das Partnerland der diesjährigen CeBIT

Keine Nation ist so digitalisiert wie Japan. Das Land, das 127 Millionen Menschen zählt, präsentiert sich an der Spitze in Sachen Technik und Digitalisierung. Was bei uns noch als Zukunftsmusik gehandelt wird, ist in der japanischen Gesellschaft längst angekommen. Schon heute kommen in Japan 211 Roboter auf 10 000 Mitarbeiter. Die Japaner gehören zu den am stärksten Vernetzen Bevölkerungen der Welt und investieren jährlich Milliarden in die Forschung und Entwicklung neuer Technologien. Als drittgrößte Volkswirtschaft der Welt ist Japan auch für die deutsche Wirtschaft insbesondere im Hinblick auf neue Innovationen ein wichtiger Partner.

Inhaltlich wird es in jedem Fall einige interessante Beiträge von Seiten der japanischen Kollegen geben. So wird beispielsweise der Direktor des Intelligent Robotics Laboratory des Departments of Adaptive Machine Systems der Universität Ösaka einen Vortrag zu der vieldiskutierten Frage halten, ob der Mensch sich selber abschafft.

Vom Experten bis zum Neugierigen

Ein jeder, der sich auf dem Gebiet der Technik, IT und Digitalisierung bewegt, wird auf der CeBIT noch neue Erkenntnisse gewinnen können und die Möglichkeit haben, sich mit Gleichgesinnten auszutauschen. Aber auch all jene, die neugierig sind auf die neuen Entwicklungen und auf alles, was heute schon möglich ist, werden auf ihre Kosten kommen. Wie in den letzten Jahren, kann auch in diesem Jahr wieder für fünf Tage ein Blick in die nahe und ferne Zukunft geworfen werden.

Foto:@pixabay

Die App, die den Hunger stillt

Wie wäre es, wenn man mit einer App den Hunger in der Welt bekämpfen könnte? Sebastian Sticker und Bernhard Kowatsch haben es ausprobiert und mit ihrer App „Share The Meal“ 2014 den Versuch gestartet, die praktische Onlineanwendung für einen guten Zweck einzusetzen. Die Idee: Mit wenigen Klicks auf dem Smartphone einen kleinen Betrag spenden und so einem hungernden Kind zu einer Mahlzeit verhelfen. Und das Konzept geht auf. Heute, nur knapp 2 Jahre später, beläuft sich die Zahl der gespendeten Mahlzeiten bereits auf weit über 8 Millionen. Ein unglaublicher Erfolg und ein Hinweis darauf, dass die Spendenkultur einen Wandel durchläuft.

Hunger ist real – aber das Problem ist lösbar

Weltweit leiden 795 Millionen Menschen an Hunger – das ist etwa jeder neunte Mensch. Dabei braucht es nur rund 40 Cent pro Tag, um ein hungerndes Kind zu ernähren. Der Großteil der Spender, die regelmäßig eine Hilfsorganisation unterstützen, sind Personen über 40 Jahre. Junge Leute investieren wesentlich seltener in den guten Zweck. Zu aufwendig und teuer scheint ein Spenden-Abo oder das Ausfüllen eines Spendenbelegs. Die Digital Natives erreicht man nicht mit Spendenaufrufen, die mit der Post ins Haus kommen. Sie leben in einer mobilen Welt, kommunizieren und agieren online und tragen ihr Smartphone stets bei sich.

Sebastian Sticker und Bernhart Kowatsch haben das erkannt und eine App entwickelt, mit der die Nutzer in wenigen Schritten eine kleine Spende von 40 Cent tätigen können.  Runterladen, registrieren, spenden – und schon bekommt ein hungerndes Kind eine Mahlzeit. Überwiesen wird ganz einfach per Kreditkarte oder PayPal. Statt also nur durch einen Like bei Facebook zu zeigen, dass einem ein Hilfsprogramm gefällt oder man der Meinung ist, dass eine Organisation unterstützt werden sollte, bietet Share The Meal seinen Nutzern die Möglichkeit, tatsächlich aktiv zu werden. Die Verknüpfung mit Facebook ist trotzdem möglich. So können Nutzer über ihre sozialen Netzwerke Freunde dazu einladen, ebenfalls zu spenden. Und wenn man bedenkt, dass es 20 Mal mehr Smartphone-User als hungernde Kinder gibt, dann zeigt sich schnell, welches Potential an helfenden Menschen über die App erreicht werden könnte.

Über alle Grenzen hinaus

Inzwischen ist die App weltweit verfügbar, ermöglicht die Anzeige in neun Sprachen und Spenden in 27 verschiedenen Währungen. Mit 30 Prozent stellen die Deutschen momentan noch den größten Anteil der Nutzer dar. Aber die App gewinnt international zunehmend an Aufmerksamkeit und wird stetig ausgebaut. Zu den neuesten Überarbeitungen gehört beispielsweise ein Newsfeed, der den Nutzer über den Einsatz seiner Spende informiert. Durch persönliche Stories, Bilder und Geotags kann der Nutzer mitverfolgen, was seine Spende bewirkt. Denkbar ist in Zukunft auch die Einbindung von Virtual Reality-Material, das es ermöglichen wird, dem Spender einen Einblick in das Leben der Menschen zu geben, für deren Versorgung er spendet. Inzwischen informiert Share The Meal auch über Facebook, Twitter und Instagram über Neuigkeiten. Der Nutzer soll sich verbunden fühlen und einbezogen werden.

Wissen, dass es ankommt

Share The Meal ist eine Initiative des UN World Food Programme (WFP). Die Organisation erreicht jährlich 80 Millionen Menschen mit Ernährungshilfe und ist damit die größte humanitäre Einrichtung, die sich gegen den Hunger engagiert. Finanziert wird die Arbeit der WFP ausschließlich durch Spenden. Nach Abzug der Verwaltungskosten werden 90 Prozent der gespendeten Gelder für die Versorgung von Hungernden mit Lebensmitteln eingesetzt. Share The Meal hat es sich als Teil der WFP zum aktuellen Ziel gesetzt, 58 000 Schulkinder in Zomba für ein Jahr mit Essen zu versorgen. Die Kinder, die zwischen sechs und 13 Jahre alt sind, werden in ihrer Schule mit einem besonders nahrhaften Essen versorgt. Damit wird zum einen erreicht, dass die Schüler nicht mit knurrendem Magen am Unterricht teilnehmen müssen, zum anderen, dass mehr Kinder tatsächlich die Möglichkeit von Schulbildung wahrnehmen.

Darf helfen so einfach sein?

Mit dem zunehmenden Erfolg der App werden auch die ersten Stimmen der Kritik laut. Zu simpel sei das Prinzip. Eben beim Mittagessen 40 Cent gespendet und schon ist das Gewissen beruhigt. Anstatt das Geld in Nahrungsmittel zu investieren, sollte es eher in Forschungsprogramme fließen, die Möglichkeiten untersuchen, beispielsweise Getreide hitzebeständiger zu machen, sodass es auch in sehr trockenen, heißen Gegenden wachsen kann. Damit wäre der Welt auf lange Sicht mehr geholfen. Oder die allgemeinere Problematik, dass Spenden und Hilfen von außen letztlich nur dazu führen, dass Regierung und Bevölkerung die Verantwortung abgeben.

Und trotzdem: Wer Geld spendet, um einem Kind eine Mahlzeit zu schenken, der sollte dafür keine Kritik einstecken müssen. Auch eine kleine Spende ist eine Spende und in jedem Fall besser als keine. Und feststeht, dass Share The Meal eine ganz neue Zielgruppe zum Spenden animiert, was allein schon ein Erfolg ist.

Foto: @pixabay

Zukunftsmalerei

1949 veröffentlicht George Orwell seinen dystopischen Roman „1984“. Nur wenige Jahre nach Ende des Krieges entwirft er eine Zukunftsvision der Welt, die aufrütteln soll. Sein Werk beschreibt eine Gesellschaft, die von Überwachung und Manipulation geprägt ist. Heute, knapp 70 Jahre später, sind Kameras an öffentlichen Orten, die Speicherung von Daten und die Kritik an manipulierter Presse schon fast zum normalen Alltag geworden. So sehr hat sich das Empfinden für Privatsphäre in unserem Alltag verändert, dass uns „1984“ schon lange nicht mehr so utopisch erscheint. Mehr noch, durch das Internet scheint die Privatsphäre jedes einzelnen schon lange nicht mehr ein behütetes Gut zu sein.

Offengelegt – Keine Anonymität im Netz

2016 beschäftigen uns andere Zukunftsvisionen, wenngleich die Vorstellung einer totalen Überwachung auch weiterhin ein Thema ist. Heute jedoch denkt man dabei nicht mehr an Bildschirme, die einen, wie von Orwell beschrieben, rund um die Uhr bewachen. Bewachung hat in der Gegenwart mit Technologie zu tun, man denkt an das Internet, die Speicherung von Daten, den Einsatz von Drohnen. Wer sich jetzt ein Bild von der Zukunft machen möchte, der lässt „1984“ im Regal stehen und greift stattdessen zu einem Werk, das ein Bild unserer nahen Zukunft abbildet – The Circle. Dave Eggers ruft darin ein Unternehmen ins Leben, das Google, Apple, Facebook und Twitter vereint. Statt Überwachung geht es jetzt um Transparenz. Das ambitionierte Ziel von „The Circle“: Eine bessere Menschheit durch Transparenz. Um dieses Vorhaben umzusetzen, wird zunächst die Anonymität aus dem Internet verband. Wer im Netz unterwegs ist, kann dies nur mit einer einsehbaren Internetidentität. Im Alltag soll mithilfe von Mini-Kameras und direkter viraler Übertragung, das Leben eines jeden Individuum einsehbar werden. Dass diese Transparenz auch Schattenseiten hat, erfährt die Protagonistin Mea Holland bald am eigenen Leib. Sehr realistisch zeigt der Autor, dass das Internet schon lange nicht mehr nur ein Medium der Vernetzung ist. Schon bald wird klar: Wer das Internet beherrscht, der formt auch die Zukunft.

Wenn das Licht aus geht

Weniger eine Zukunftsvision als vielmehr eine realistische Bedrohung beschreibt der Thriller „Blackout“ von Marc Elsberg. Der Autor stellt in seinem Buch ein Gedankenexperiment an: Was passiert, wenn die Stromversorgung gekappt wird? Das Szenario ist das Folgende: Mitten im kalten Februar gelingt es einer Gruppe von Hackern, Europa den Strom abzuschalten und damit auch den Zugang zum Internet zu verschließen. Schnell wird deutlich, dass eine Gesellschaft ohne Elektrizität heute nicht mehr möglich ist. Es zeigt sich die Kehrseite der allgegenwärtigen Vernetzung. Lange schon sind Wasserversorgung, Maschinen und Verkehrsmittel auf eine lückenlose Bereitstellung von Strom angewiesen. Alles wird mit Programmen gesteuert und mit Strom gespeist. In „Blackout“ zeigt sich nun, was diese Abhängigkeit bedeutet. Bereits kurz nach dem Ausfall bricht die Lebensmittelversorgung zusammen, in Krankenhäuser bricht das Chaos aus, die Wirtschaft wird lahmgelegt und schon nach kurzer Zeit kämpfen die Menschen ums blanke Überleben. Der Roman wirft Fragen auf, mit denen sich nach der Veröffentlichung auch Experten auseinandersetzen mussten. Wie realistisch ist ein totaler „Blackout“ tatsächlich? Geht die Vernetzung zu weit?

Mehr als pure Unterhaltung

Sowohl „The Circle“ als auch „Blackout“ thematisieren die Vernetzung der heutigen Gesellschaft, zeigen mögliche Entwicklungen auf und legen Schwachstellen offen. Wen die mögliche Zukunft unserer vernetzten Gesellschaft interessiert, erhält hier neben unterhaltsamen Lesestoff Denkanstöße und neue Einblicke.

Bildquelle: @pixabay

Berlin Challenge: 24 Stunden kostenlos

Als eine der wenigen Ur-Berlinerinnen, die auch tatsächlich noch in Berlin lebt, kenne ich die Stadt vermutlich nicht mal halb so gut, wie die unzähligen Touristen, die voller Elan jedes Eckchen meiner geliebten Hauptstadt erkunden. Darum habe ich es mir zur ultimativen Herausforderung gemacht, in 24 Stunden so viel wie möglich in meiner Stadt zu erleben, ohne dabei Geld auszugeben. Gesagt getan – mein Wecker klingelt Samstag bereits um 6 Uhr früh. Müde mache ich mich auf den Weg zum Kreuzberg im Viktoriapark, von wo aus ich überraschenderweise einen atemberaubenden Ausblick über Berlin habe. Zugegeben, ich weiß nicht, wann ich das letzte Mal einen so schönen Start in den Tag hatte! Gut gelaunt schlendere ich weiter zum Wasserfall, der direkt vom Berg fließt. Ich bin jetzt schon völlig begeistert, was Berlin außerhalb meines gewohnten Kiezes zu bieten hat und mache mich euphorisch auf den Weg zum nächsten Highlight meiner Tour – dem David Bowie Haus. Hero´s  von Bowie hat definitiv meine Jugend geprägt und lässt mich nostalgisch wie ein alter Groupie seine Wohnung von außen betrachten. Schockverliebt in das Gefühl, welches dieses alte Haus bei mir auslöst, nehme ich mir fest vor nochmal herzukommen aber da ich heute gegen die Zeit spiele, mache ich mich schon wieder auf zur nächsten Sehenswürdigkeit. Mittlerweile ist es um neun Uhr, was an jedem anderen Samstag meine gewohnte Aufstehzeit wäre. Da die Daimler Contemporary Kunstausstellung erst gegen elf Uhr öffnet, entscheide ich mich spontan dazu, der Arminiusmarkthalle in Berlin Moabit einen Besuch abzustatten. Das imposante Bauwerk von Blankenstein und Lindemann zieht mich nicht nur aufgrund der Größe in seinen Bann, sondern vielmehr bin ich von der Idee begeistert, dass hier ein Ort für kulinarische und kulturelle Austauschmöglichkeiten geschaffen wurde. Mit einem frisch gebrühten Kaffee geht es weiter zum Potsdamer Platz, wo ich einen kurzen Blick in die aktuelle Ausstellung der Daimler Kunstaustellung werfe. Die dortige Kunst wechselt alle drei Monate und bietet Kunstinteressierten einen Einblick in immer neue Themenschwerpunkte. Bevor ich mir überlege, wohin es mich jetzt verschlägt, stelle ich fest, dass der halbe Tag bereits um ist und ich wahrscheinlich mehr von Berlin gesehen habe, als im vergangenen Jahr. Wahnsinn! Voller Elan mache ich mich auf zur Eastside Galerie, von wo aus ich einen Spaziergang entlang der Mauer, die parallel zur Spree verläuft, mache. Um mich vom ganzen Laufen ein wenig zu erholen, setze ich mich am Alexanderplatz in den 100er Bus und fahre bis zur Endstation am Zoo. Die rund 60-minütige Fahrt entlang der wichtigsten Sehenswürdigkeiten bietet eine super Alternative zu teuren Sightseeing-Touren. Da mein nächster Halt der Tränenpalast ist, fahre ich mit dem 100er Bus wieder zurück zur Friedrichstraße. Angekommen am Palast, schaue ich mir die rührende Dauerausstellung über die Grenzerfahrungen der Deutschen an und mir wird erst jetzt wieder bewusst, woher der Palast seinen Namen hat. Passend zur Stimmung besuche ich anschließend die nahegelegene Gedenkstätte der stillen Helden, bevor ich mich zum Volkspark Humboldthain aufmache. Dort angekommen, erwartet mich ein anstrengender Aufstieg aber der Blick vom Flakturm auf mein wunderschönes Berlin ist es wert. Nach einer kurzen Verschnaufpause geht es direkt weiter zum Salsa Workshop im Red Ballon. Zwar muss ich sagen, dass der Tag mich ganz schön müde gemacht hat, jedoch habe ich noch immer so viel Adrenalin von meiner Überdosis Berlin, dass ich nach dem Workshop meinen Tag bei einem der vielen kostenlosen Open-Air-Festivals ausklingen lasse. Punkt sechs Uhr falle ich völlig erschöpft aber glücklich ins Bett. Am nächsten Morgen stelle ich fest, dass ich verliebt bin – verliebt in meine alte und neue Heimat Berlin.

Bild: pixabay.