Kategorie: Digitale Kunst

blauer Himmel Wolken grüner Luftballon zu dem Artikelthema Digitale Kunst: Nois7 lässt Elefanten fliegen

Digitale Kunst:
Nois7 lässt Elefanten fliegen

Viele Menschen auf Instagram sind auch ohne nennenswertes Talent berühmt geworden. Der Künstler Robert Jahns alias Nois7 gehört definitiv zu denjenigen, die aufgrund ihrer Begabung zu einer großen Reichweite gekommen sind. Wer ihn und seine digitale Kunst noch nicht kennt, hat etwas verpasst.

 

LIMITED PRINTS now available at www.nois7.com (link in profile). This NYC Elephant is in the collection too! 🎈

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Eine Million Fans

Roberts Jahns arbeitet seit drei Jahren selbstständig als Künstler und Fotograf. Mit seinen Werken begeistert er regelmäßig 1,1 Millionen Instagram-User. Sein Markenzeichen ist die Verbindung von traditioneller Fotografie und digitaler Bildbearbeitung. Eines seiner bekanntesten Bilder ist der Butterphant. Seitdem Jahns sein Interesse für Bildbearbeitung entdeckt hat, setzt er visuelle Ideen in dieser besonderen Form um. In einem Interview mit onlinemarketing.de erzählt er, dass er die Welt oft anders als andere sehe und genau das in seinen Fotos verdeutlichen will. Der Künstler probiert am liebsten neue Dinge aus und teilt Bilder zuerst auf Instagram bevor er sie weiterverarbeitet.

 

The whale in Venice came up again.

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Influencer mit Vision

Die beeindruckende Zahl an Follower, die Jahns vorweisen kann, habe er sich hart erarbeitet. Es sei sehr schwer eine Community aufzubauen, verrät er in dem Interview. Dementsprechend kontinuierlich müsse man an diesem Ziel dranbleiben. Reichweite ist aber nicht das einzige, was ihm wichtig ist: “Ich versuche die Leute mit meinen Bilder zu inspirieren und möchte, dass sie für eine kurze Zeit dem wirklichen Leben „entfliehen“ können, um für einen Moment in meiner Traumwelt zu sein”. Außerdem legt er großen Wert auf den Austausch mit seinen Followern. Deswegen hat er bereits mehrere Editing Contest veranstaltet, bei dem Fans seine Originalfotos bearbeiten können.

 

 

Online-Karriere mit digitaler Kunst

Vor sechzehn Jahren hat Jahns mit der Fotografie angefangen. Ein Erfolgsrezept für die große  Online-Karriere habe er nicht. Man müsse mit seiner Arbeit aus der Masse herausstechen, um gesehen zu werden. Jahns arbeitete beispielsweise mit anderen Fotografen zusammen, um neue Follower zu erreichen. Weil er möglichst authentisch sein möchte, findet man auf seiner Instagram-Seite nur wenige sponsored Posts. Der Influencer hat nicht nur hohe Ansprüche an sich selbst, sondern auch an seine Kooperationspartner. Außerdem erstellt er, außerhalb von Instagram, noch andere Artworks für Brands, besucht Live TV-Shows und gibt Interviews. Von diesem Künstler wird man definitiv noch mehr hören.

 

Hier geht’s zu dem Instagram-Account von Nois7

 

Weltkarte schwarze Kamera zum Artikelthema Reisefotografie: Ein Koffer macht Träume wahr

Reisefotografie:
Ein Koffer macht Träume wahr

Nach den Malediven, Island und Kanada ist jetzt Japan an der Reihe. Der #alphaddicted Koffer von Sony hat bereits eine lange Reise hinter sich. Über 500 Bewerber haben sich für die Chance beworben, für maximal vier Wochen, ein komplettes Fotografie-Equipment zu erhalten und damit die Welt zu bereisen.  

 

 

Kanada | Foto: 22places

Ausrüstung für 20.000 Euro

Von einer professionellen Fotoausrüstung träumen viele Hobbyfotografen.  Für die Reiseblogger Sebastian und Jenny von “22places” ist dieser Traum gerade in Erfüllung gegangen. Zwei Wochen lang haben die beiden den #alphaddicted Koffer zur Verfügung gestellt bekommen, nachdem sie von Sony angesprochen wurden. Der Elektronikkonzern hat dieses Projekt ins Leben gerufen und Equipment im Wert von 20.000 Euro zusammengestellt. In dem Koffer befindet sich eine große Auswahl an Sony Kameras und Objektiven. Diese kamen bei dem Roadtrip durch Kanada von “22places” richtig zum Einsatz. In den Nationalparks Banff und Jasper konnten die Blogger mithilfe der Ausrüstung sowohl Wildtiere als auch Landschafts- und Sternenaufnahmen machen.

 

Kanada | Foto: 22places

Nationalparks, Nordlichter und Schneestürme

Während des Dark Sky Festivals im Jasper National Park haben Sebastian und Jenny ganz unerwartet die Nordlichter gesehen – und natürlich auch fotografiert. Genauso überraschend für diese Reisezeit waren die sehr kühlen Temperaturen von minus zehn Grad und heftige Schneestürme. Die beiden konnten aufgrund des frühen Wintereinbruchs zwar keine Bären ablichten aber das Teleobjektiv hat es ihnen ermöglicht, Wildtiere aus der Ferne zu fotografieren. Wer sehen möchte welche Bilder bei den Reisen entstanden sind, kann auf der Landing-Page von Sony Deutschland vorbeischauen. Dort hat ebenfalls jeder die Möglichkeit, den Weg des Koffers mitzubegleiten.

 

Kanada | Foto: 22places

Auf nach Fernost

Der nächste, der den #alphaddicted Koffer bekommt, ist der Landschaftsfotograf Tobias Weßling. Für ihn geht es die nächsten Wochen nach Japan. Seine Reise möchte Tobias mit Tokyo beginnen. Weil er zum ersten Mal dorthin reist, verspricht er sich besonders viel von der Wandertour auf dem Kumano Kodo. Der über 1.000 Jahre alte Pilgerweg ist sogar als UNESCO-Weltkulturerbe registriert. Tobias nimmt seine Follower gerne auf Reisen mit und dreht aus diesem Grund sogenannte Vlogs. Zu seiner Freude besitzen zwei der Kameras aus dem Koffer eine Videofunktion. Alle Fotografen halten ihre Erfahrungen außerdem in Reisetagebüchern fest. Man darf gespannt sein, was Tobias und seine Nachfolger auf ihrer Reise erleben.    

 

Hier könnt ihr euch für den Koffer bewerben und die bisher entstandenen Fotografien anschauen

 

Kunst 3 Bilder weißer Hintergrund zum Artikelthema DAM Gallery: Zwischen Historizität und Moderne

DAM Gallery:
Zwischen Historizität und Moderne

In Berlin kann in der DAM Gallery seit dem 15. November eine Ausstellung besucht werden, die das Thema Selfies völlig neu aufgreift. Die amerikanische Künstlerin Carla Gannis erschafft darin ein perfektes Zusammenspiel aus traditionellen Bildsujets und modernen Einflüssen aus dem 21. Jahrhundert. Genauso wie bei unserem letzten Besuch in der Gallery, fanden wir auch diese       Ausstellung unglaublich eindrucksvoll.    

 

DAM Gallery präsentiert “Until the End of the World”

Die DAM Gallery präsentiert die Einzelausstellung “Until the End of the World” von Carla Gannis. Sie ist eine in Oxford geborene Künstlerin, die heute in Brooklyn, New York lebt. 52 Wochen lang hat Gannis an einer Sammlung von 52 digitalen Zeichnungen, namens “The Selfie-Drawings”, gearbeitet. Dabei machte sie 2015 über das ganze Jahr Selfies von sich und setze diese in analoge und digitale Zeichnungen um. Innerhalb dieses Prozesses setzte sich die Künstlerin intensiv mit dem Thema “Selbst” auseinander. Die ,paradoxerweise, gezeichneten Selfies wurden außerdem Gegenstand eines neuen Projektes: “A Subjekt Self-Defiend”. Jedes Bild hat durch aufwendige Augmented Reality Anwendungen seine eigene 3D Wirklichkeit bekommen. Wer die Blippar App herunterlädt und sein Handy über die Zeichnungen schweben lässt, erlebt eine dynamische Animation auf dem Bildschirm.    

 

„Golden Shower“

DAM Gallery Carla Gannis „Golden Shower“

Das Bild namens “Golden Shower” zeigt eine Frau unter der Dusche, die von Bitcoins überschüttet wird. Obwohl es so aussieht, als ob sie in Selfie von sich machen will, sieht man auf dem Bildschirm des Handys ein altes Gemälde. Dabei handelt es sich um das historisches Gemälde “Danaë empfängt den Goldregen”. Danaë entstammt der griechischen Mythologie und wird von dem olympischen Gott Zeus verehrt. Weil sie sich für Zeus aufgrund seiner vielen Liebschaften nicht interessiert, beschließt er, Danaë auf anderem Wege Nahe zu kommen. Dafür verwandelt er sich unter anderem in Goldmünzen.

 

„Origin of the Universe“

DAM Gallery Carla Gannis „Origin of the Universe“

„Origin of the Universe” ist eine Anlehnung an Gustave Courbets Meisterwerk “Ursprung der Welt” aus dem Jahr 1866. Genauso wie bei dem Original ist das Gesicht der Frau verdeckt. Um die Skulptur in das 21. Jahrhundert zu transportieren, hat Gannis einen iPod hinzugefügt. Darauf befindet sich ein Video, das sich bewegende Formen in wechselnden Farben zeigt. Der besondere Clou zeigt sich im Dunkeln: Das Kunstwerk leuchtet.

 

„Electronic Graveyard/ The Upload“

DAM Gallery Carla Gannis „Electronic Graveyard/ The Upload“

Das Bild “ Electronic Graveyard / The Upload ” erinnert stark an einen Friedhof. Anstelle der Grabsteine befinden sich Smartphones auf dem Gras. Vor einem der Smartphones, steht eine Roboterfrau. Es ist eine Anspielung auf das Zusammenwachsen aller sozialen, wirtschaftlichen und kulturellen Systeme der modernen Gesellschaft in eine Software. Sie ist für Gannis der unsichtbare Leim, der alles zusammenhält. Das Wort “Persona” steht für die Identität, welche Menschen im Internet annehmen und anderen präsentieren. Auf dem Bild wird die “Persona” durch die Künstlerin selbst symbolisiert.

 

Ausstellung: 15. November – 20. Dezember 2017

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große Halle weiße Wände vier Frauen

Preis der Nationalgalerie 2017:
Kunstwerke über Klimawandel und Korruption

Die diesjährige Shortlist-Ausstellung im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin thematisiert gesellschaftliche Probleme wie den Klimawandel, Korruption und zwischenmenschlichen Machtgefüge. Wir haben die Ausstellung besucht und berichten über den Preis der Nationalgalerie 2017.

 

Nationalgalerie ehrt Gegenwartskunst

Der Preis der Nationalgalerie ist eine seit 2000 bestehende Auszeichnung für Künstlerinnen und Künstler unter 40, die in Deutschland leben und arbeiten. Er wird alle zwei Jahre verliehen und gehört zu den wichtigsten internationalen Preisen für Gegenwartskunst. Die Nationalgalerie möchte mit der Präsentation der jeweiligen Shortlist auf innovative Strömungen in der Kunst aufmerksam machen. Ausgezeichnet werden Künstlerinnen und Künstler, die mit ihren Werken neue Perspektiven eröffnen und auf gesellschaftliche Probleme aufmerksam machen. Sol Calero, Iman Issa, Jumana Manna und Agnieszka Polska sind die vier Teilnehmerinnen der Shortlist, die von einer ersten internationalen Jury ausgewählt wurden. Jede von ihnen durfte im Museum für Gegenwart ihr Kunstwerk in einer gemeinsamen Ausstellung veröffentlichen. Der Preis der Nationalgalerie 2017 geht an Agnieszka Polska mit den UHD Animationen “The New Sun” und “What the Sun Has Seen (version II).                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                            

 

Agnieszka PolskaWhat the Sun Has Seen (Version II), 2017HD-AnimationInstallationsansicht Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin© Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin / Jan Windszus / Courtesy Zak Branicka Galerie, Berlin and OVERDUIN & CO., LA

Für ihre Filme hat Agnieszka Polska die Figur der “Kleinen Sonne” animiert und ihr ein puppenhaftes Gesicht mit riesigen Augen gegeben. Die Bild-, Sprach- und Tonelemente wirken auf den Zuschauer mal vertraut und beiläufig, mal eigenartig und bedeutungsschwer. Daraus entsteht ein Zusammenspiel, das die emotionalen Reize stimulieren soll. Mit ihren Animationen will Polska auf die Gefahren des Klimawandels aufmerksam machen. Die Sonne bekommt darin zwei sich auf den ersten Blick widersprechende Rollen: der hilflose Beobachter und der unausweichlich Eingreifende in die Ereignisse.

 

 

Sol CaleroAmazonas Shopping Center, 2017Installationsansicht Hamburger Bahnhof Installationsansicht Hamburger Bahnhof Installationsansicht Hamburger Bahnhof © Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin / Trevor GoodTrevor / Courtesy Courtesy the artist, Laura Bartlett Gallery, London

Ähnlich wie Polska arbeitet Sol Calero mit einer dem Zuschauer bekannten Ästhetik. Sie interessiert sich für “lateinamerikanischen Identität” und kulturelle Codes, die in ihren Werken zum Ausdruck kommen. Mit der Installation “Amazonas Shopping Center” möchte Calero auf Probleme wie Korruption und die Hyperinflation in ihrem Heimatland hinweisen. Allein durch die Vielfalt an auffälligen Farben sticht das Gesamtwerk deutlich heraus. Sie sei der Meinung, dass auch Künstlerinnen und Künstler die Hochkunst betreiben, nicht automatisch auf viel Farbe verzichten müssen.

 

 

Iman IssaHeritage Studies, 2015-2017Verschiedene MaterialienInstallationsansicht Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin© Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin / Jan Windszus / Courtesy the artist and carlier | gebauer

Iman Issa beschäftigt sich mit der Frage nach der Relevanz und Gegenwärtigkeit von geerbter Kultur. Die Serie “Heritage Studies” besteht aus unterschiedlichen Skulpturen, die alte Kunstwerken und Kulturgüter aus ihrer heutigen subjektiven Sicht darstellen. Allein die Recherche zu diesem Projekt, die bereits 2013 startete, habe sehr lange gedauert. Auf den ersten Blick wirken die Skulpturen wie reduzierte Studien zu Form und Material. Texte an der Wand geben jedoch Aufschluss darüber, worauf sich das jeweilige Werk bezieht.   

 

 

Jumana MannaInstallationsansicht Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin© Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin / Trevor Good / Courtesy the artist & CRG Gallery, New York / VG Bild-Kunst, Bonn 2017

Die Künstlerin Jumana Manna erkundet die Wechselwirkungen von sozialen, politischen oder zwischenmenschlichen Machtgefügen mit dem menschlichen Körper. Ihre Filme verknüpfen Fakten und Fiktion, genauso wie Autobiographisches und Archivmaterial. Dadurch untersucht Manna Überschneidungen und Konstrukte nationaler und ideologischer Narrative. Das Gesamtwerk bekommt durch das Metallgerüst einen gewollt unfertigen Charakter. Zusammen mit überdimensionalen Körperteile aus Gips und Plastikstühlen, erinnert die Installation entfernt an archäologische Ausgrabungen oder Baustellen.

 

Hier geht’s zur Ausstellung

Titelbild: David von Becker

große Halle bunte Leinwände Menschen schwarzer Hintergrund

Von Monet bis Kandinsky:
VISIONS ALIVE lädt zum Träumen ein

Die dritte Multimediale Bildershow von VISIONS ALIVE zeigt das Best-Of der 16 bekanntesten Künstler des 19./20. Jahrhunderts. “Von Monet bis Kandinsky” ermöglicht eine ganz neue moderne Perspektive auf die Kunst.

 

Jutebeutel und teure Teelichter

Wer die Multimedia-Ausstellung “Von Monet bis Kandinsky” sehen will, muss sie erst einmal suchen. Da sie sich in einem, nicht besonders schönen, Hinterhof befindet, ist die Ausstellung schwer zu finden. Die grünen Pfeile auf dem Boden, die später mit rotfarbigen Pfeilen überklebt wurden, helfen auch nur bedingt weiter. Wer aufgrund der berühmten Künstler einen einladenden Eingangsbereich erwartet hat, der wird spätestens beim Betreten der Location enttäuscht. Die Ausstellung besteht aus vier Räumen: zwei Informationsräumen und zwei Ausstellungsräumen, in denen die Video-Projektionen laufen. Informationstafeln geben Aufschluss über das Leben der Künstler. Die Bilder auf den Tafeln passen nur leider nicht zu den Informationen. Als interessierter Betrachter fragt man sich also, warum nicht das Porträt gezeigt wird, das Monet berühmt gemacht hat, sondern ein völlig zusammenhangloses Werk. Was auffällt ist, dass fast alle 16 Künstler zu Lebzeiten arm waren und aufgrund einer schlimmen Krankheit gestorben sind.  Der andere Teil des Raumes ist der Verkaufsbereich. Hier kann man Jutebeutel mit Van Goghs Gesicht und Teelichter für 30 Euro kaufen.

 

Man muss Kunst nicht verstehen

In beiden Ausstellungsräumen läuft die 60-minütige Videoshow in Endlosschleife. Man kann zwischen Stühlen, Bänken und Sitzsäcken wählen. Innerhalb dieser Stunde werden Werke der Künstler auf unterschiedliche Weise dargestellt. So werden Bilder von Edgar Degas gezeigt, der eine Schwäche für das Ballett hatte. Dementsprechend  wurden animierte Balletttänzerinnen, bestehend aus glitzernden Lichtpunkten, gezeigt. Claude Monets Abschnitt dreht sich um die Schönheit der Blumen, welche er als Impuls für seine Künstlerkarriere ansieht. Besonders herausstechend ist ein fast schon hektisch animiertes Labyrinth, bestehend aus der abstrakten Kunst von Wassily Kandinsky. Die erste halbe Stunde wird es dem Zuschauer nicht leicht gemacht. Vor allem weil kurze Zitate der Künstler der einzige Kontext sind, den der Betrachter bekommt. Irgendwann erscheint ein Zitat von Claude Monet, in dem er verkündet, dass man Kunst nicht verstehen, sondern einfach nur lieben muss. Inspiriert von dieser Aussage, bekommt die Ausstellung plötzlich eine ganz andere Wirkung.      

 

VISIONS ALIVE erschafft Traumwelt

Je länger man sich die Videoshow ansieht, desto mehr kann man sich gedanklich von der gezeigten Kunst in eine andere Welt tragen lassen. In den Sitzsäcken liegend, verwandelt sich der Ausstellungsraum in einen realen Traum. Vor allem die wunderschön abgestimmte Musik trägt einen großen Teil zu diesem Gefühl bei. Viele Besucher haben sich auf den Boden gelegt und die Videoshow teilweise dreimal in Folge angeschaut. Sobald man aufhört das Gezeigte verstehen zu wollen, beginnt erst die Fantasiereise, die einen Raum und Zeit vergessen lässt. Der kleinere Ausstellungsraum ist zwar weniger eindrucksvoll aber dafür hat man dort einen besseren Überblick über alle gezeigten Kunstwerke. “Von Monet bis Kandinsky” ist, im Gegensatz zum ersten Eindruck, eine Ausstellung für jedermann: egal ob Kunstkenner oder interessierter Laie. Es ist quasi ein digitalisiertes und animiertes Museum mit den Werken von bekannten Künstlern. Oder auch modern aufbereitete Kunst, die die Emotionen der Betrachter einfängt.

 

 

Ausstellung: 21. Juli 2017 bis 28. Januar 2018

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Titelbild: iVision Entertainment GmbH

 

DOCMA Award 2017: Digitale Kunst macht Bilder lebendig

DOCMA Award 2017:
Digitale Kunst macht Bilder lebendig

Eine Zigarette, die ihren Besitzer vermisst. Ein eventuell einmaliger Ritt, der dir den besonderen Kick gibt. Ein Schneemann, der sich sonnen will und dabei sein tragisches Ende findet. Das alles und noch viel mehr hat der diesjährige DOCMA AWARD in Sachen digitale Kunst zu bieten.

 

Wie digitale Kunst Geschichten erzählt

Seit 2002 hat sich der Docma Award im Bereich digitale Kunst zu einem der renommiertesten Auszeichnungen in Deutschland entwickelt. Hinter dem Award steht das Fachmagazin Docma. Jedes Jahr bekommen professionelle und nicht professionelle Künstler die Chance ihre Fotografien, Zeichnungen und Fotomontagen einzureichen. 2017 lautet das Motto “SST: Super Short Story Telling”. Demnach standen die Teilnehmer vor der Herausforderung, eine ganze Geschichte in einem einzigen Bild sowohl schriftlich als auch künstlerisch zu verpacken. Um den Schwierigkeitsgrad zu erhöhen, hatten sie dafür maximal 300 Zeichen zur Verfügung. Jede Einreichung, die diese Vorgabe nicht erfüllte, wurde nicht gewertet. Ausgezeichnet wurde in den Kategorien Meister, Geselle und Lehrling. Darüber hinaus gab es auch einen Sonderpreis zu vergeben. In diesem Artikel haben wir eine Auswahl der von Docma gekrönten Sieger zusammengestellt. 

 

Reza: „Ich vermisse ihn…“ (Platz eins, Kategorie Meister)

Ich vermisse ihn … wie er mich zwischen seinen zarten Lippen hielt und meine Seele in seine warme Lunge zog, wo ich aus den Teichen schwarzen Sirups wieder empor stieg, mal sanft hinaus schwebend, mal in gewaltigen Stößen heraus geschleudert … nur er hat immer zu mir gehalten … gegen den Rest der Welt. | Bild: Reza

 

 

Florian Janßen: „Verschwunden“ (Platz 1, Kategorie Lehrlinge)

Sie wollte nur ein bisschen Auszeit. Ein paar Tage in die Sonne, die Wärme genießen, dem Alltag entfliehen. Jetzt stand er vor ihr und doch würde sie nie mehr zurückkommen, seine verflossene Liebe. | Bild: Florian Janßen

 

   

Brigitte Kuckenberg-Wagner: „Rent a croco“ (Platz 2, Kategorie Geselle)

Ein garantiert einmaliges Erlebnis für alle, die den besonderen Kick suchen! So stand es im Prospekt. Beim Anblick der süffisant grinsenden Reittiere bekam das Wort ‚einmalig‘ doch eine etwas andere Bedeutung, und es tauchten leichte Zweifel auf … | Bild: Brigitte Kuckenberg-Wagner

 

 

Flint Stelter: „Christian Bäcker“ (Platz 1, Kategorie Geselle)

Besonders anfällig für extreme Ideologien sind junge Männer im Alter von 25–35 Jahren, die sich von der Gesellschaft abgehängt fühlen. Christian Bäcker war so jemand. Christian machte sogar andere dafür verantwortlich, wenn er zu dumm war, einen Fuß vor den anderen zu setzen. | Bild: Flint Stelter

 

Bis 19. November im Museum für Kommunikation Frankfurt

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Titelbild: John Wilhelm

 

70 Jahre
Komische Oper Berlin

Wie die Zeit vergeht! Die Komische Oper Berlin feiert mit einer Online Ausstellung ihr 70-jähriges Bestehen. Seit 1947 begeistert das Moderne Theater seine Zuschauer mit avantgardistischen Interpretationen von Opern, Tanzshows, Musicals und Vorträgen. Für die Macher der Online Ausstellung ist dieses Jubiläum aber nicht nur ein Blick in die Vergangenheit sondern vor allem ein Blick in die Zukunft.

 

Die Komische Oper Berlin blickt zurück

Die Komische Oper steht für allem für eins: echte Musiktheatertradition. Trotzdem ist es den Initiatoren der Institution ein wichtiges Anliegen, Tradition mit Zukunftsfähigkeit und Aktualität zu verbinden. Aus diesem Grund funktioniert die digitale Ausstellung “70 Jahre Zukunft Musiktheater” als ein Zusammenspiel zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Alte Exponate werden im Internet veröffentlicht, sodass Menschen auf der ganzen Welt sie sehen können. Es gibt verschiedene digitale Räume, wie beispielsweise die Künstlergarderobe, die Bühne oder das Foyer, die Interessierte zum Durchstöbern einlädt.   

 

Einmal um die ganze Welt

In 70 Jahren ist die Komische Oper Berlin bereits in über 70 Städten und 33 Ländern aufgetreten. Mit der digitalen Weltkarte kann man sehen, wo genau die einzelnen Aufführungen stattgefunden haben. Die Künstlerinnen und Künstler führten bereits Schwanensee in Sydney, Ritter Blaubart in Budapest und die Zauberflöte in Peking auf. Seit der Gründung der Oper hat sich einiges verändert. Wie Plakate von damaligen Aufführungen aussahen, zeigt der digitale Raum “Schaukasten”. Dort kann man sich von traditionellem Theaterflair inspirieren lassen. Genauso wie mit Videozusammenschnitten aus früheren Inszenierungen unter dem Bereich “Bühne”.

 

Auf weitere 70 Jahre Komische Oper Berlin  

Die Slideshow, in der frühere Bilder des Theaters und das heutigen Gebäude nebeneinander gestellt werden, versetzt den Betrachter in Nostalgie. Ein bewegliches Namenskarussell gibt Aufschluss darüber, wer alles in der Komischen Oper gesungen, dirigiert und inszeniert hat. Der Kommentarbereich, in dem Zuschauer ihre Glückwünsche zum 70-jährigen Bestehen posten können, verleiht der Online Ausstellung eine persönliche Note. Die komische Oper ist bereits ein wichtiges Kulturgut in Berlin und die innovative Angehensweise aller Mitwirkenden ist ein Garant für ein erfolgreiches Bestehen in der Zukunft.

 

 

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Titelbild: @Gunnar Geller

 

Keyboard Musiker vor Sonne mit Display zum Artikel Kreatives Youtube Musikvideo erzählt Liebesgeschichte auf 14 Screens

Kreatives Youtube Musikvideo erzählt
Liebesgeschichte auf 14 Screens

Kreative Musikvideos gibt es viele. Mit der Digitalisierung eröffnen sich zusätzlich vollkommen neue Möglichkeiten der Darstellung. Von einem durch künstliche Intelligenz erzeugtem Clip berichteten wir bereits. Doch ein durchchoreographiertes digitales Musikvideo auf verschiedenen Screens gab es so noch nie. „Knock Knock“ heißt der Song der ukrainischen Band Brunettes Shoot Blondes. Das dazugehörige Video erzählt die Liebesgeschichte zwischen einer jungen Frau und einem Hasen. Zugegeben eine etwas ungewöhnliche Story einer Band mit einem ebenso bizarren Namen. Noch überraschender ist allerdings die kreative Darstellungsweise des Videos: Die Liebesstory wird auf 14 verschiedenen Bildschirmen unterschiedlicher Medien erzählt. So versucht der Hase über Smartphone, Tablet und Laptop seine Herzensdame zu erreichen und stößt dabei nicht nur einmal an die Grenzen des Bildschirmrandes.

Die Choreographie einer Liebesgeschichte

Die erste Begegnung findet auf zwei sich gegenüberliegenden Smartphones statt. Auf dem Ersten tritt ein Hase lässig, mit einem Blumenstrauß in der einen und einer Zigarette in der anderen Hand, in den Screen. Im anderen Bildschirm zeigt sich die Dame davon nicht sonderlich beeindruckt und macht sich auf den Weg in den dritten Screen. Dessen Rand fungiert nun als Tür, welche sie hinter sich abschließt. Der Hase versucht sich nicht beirren zu lassen, nimmt den technisch steinigen Weg auf sich und folgt in dem durchchoreografierten Musikstück seinem Glück. Dabei purzelt der Verehrer seiner großen Liebe von Medium zu Medium hinterher. Bei all den Wirrungen und Irrungen sei so viel schon einmal verraten: Es gibt ein süßes Happy End.

Musikvideo Performance mit 14 Screens in Echtzeit

Die große Herausforderung ist es, die Figuren und ihre Gestiken auf die Sekunde genau richtig zu programmieren und zu platzieren. Denn das Video läuft in Echtzeit. Dafür bedarf es einer ganzen Choreographie. Doch es muss nicht nur virtuell geplant werden. Für einen reibungslosen Ablauf ist es ebenfalls wichtig, dass alle Beteiligten das jeweilige Gerät zum richtigen Zeitpunkt und gleichzeitig an der richtigen Stelle platzieren. So beginnt der Clip mit einem Countdown, die Finger verharren bis zum Start auf den Displays.

Kreativer Youtube-Hit und Award-Gewinner

Im Netz wurde Kritik laut, dass es sich bei dem Video eventuell um verschleierte Werbung handelt. Schließlich sind die eingesetzten Medien durchweg Apple Produkte. Offiziell bestätigt ist dieser Zusammenhang allerdings nicht. So oder so handelt es sich um eines der wohl kreativsten Musikvideos – insbesondere hinsichtlich des Einsatzes von Medien. Der Youtube-Clip wurde bereits über 9 Millionen mal aufgerufen, namenhafte Medien wie Billboard, The Daily Mirror, Rolling Stone, The Huffington Post und viele andere berichteten bereits darüber. “Knock Knock” wurde für die innovative Arbeit belohnt und staubte im Jahr 2015 einen Berlin Music Video Award in der Kategorie “Best Concept” ab.

Und nun die ganze Liebesgeschichte mit allen ihren digitalen Brückenschlägen:

Ed Atkins Installation

Old Food von Ed Atkins:
Über Digitalträume & Wirklichkeitsabzocke

Schauen wird in Kapital konvertiert. Youtube vergütet tausend Views mit etwa einem Dollar – im Fernsehen liegt der Wert viel höher. Die Schlingranken des Marketings wuchern via Mail, Tracking, setzen Cookies, streuen Krümel wie Hänsel und Gretel, um dir zu folgen. Atkins’ Ausstellung ist der Köder, dich in den Museumskörper zu locken, mit seinen Sälen, Magen und Verdauungstrakt, deren Wände dich still durchkneten, Laser, die dich wie Zilien forttragen und einfangen – Zitat Ende. 

Mit diesen Worten werden die Besucher der heute begonnenen Ausstellung „Old Food“ von Ed Atkins  im Martin-Gropius-Bau begrüßt. Und tatsächlich: Der Künstler schafft es, den Betrachter mit seiner bildgewaltigen Installation emotional einzufangen, nur um ihm anschließend gerade dadurch wieder ein mumliges Gefühl einzuverleiben.

Ed Atkins und seine spezifische Videoästhetik

Der gebürtige Brite lebt momentan in Berlin und ist mit seinen experimentellen, computergenerierten Filmen, Animationen und Bildwelten ein Star in der jungen Kunstszene. Atkins beschäftigt sich mit der Allgegenwärtigkeit digitaler Medien. Bekannt wurde er durch Videoinstallationen mit CGI-Avataren. Diese animierte er mittels Motion-Capture-Technik und versah sie mit der Stimme des Künstlers.

Old Food: Digital einbalsamiertes Gammel-Essen?

© Ed Atkins, “Old Food”, 2017, Installation view, Martin-Gropius-Bau, Berlin, Photo: Mark Blower. Courtesy the artist, Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin, Cabinet Gallery, London, Gavin Brown’s Enterprise, New York, Rome and dépendance, Brussels

Für den Martin-Gropius-Bau und das Programm Immersion kreierte der Künstler nun seine bisher größte Installation: „Old Food“ . Wer jetzt denkt es gehe dabei um vergammeltes Essen, der irrt. Vielmehr erforscht der Künstler weiterhin die neuen Medien und versetzt den Betrachter in Gemütlsagen zwischen Verträumtheit  und Desillusionierung, Ekel und Nüchternheit. 

Museumsräume erzeugen bizarre Gefühlswelten

© Ed Atkins, “Old Food”, 2017, Installation view, Martin-Gropius-Bau, Berlin, Photo: Mark Blower. Courtesy the artist, Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin, Cabinet Gallery, London, Gavin Brown’s Enterprise, New York, Rome and dépendance, Brussels

Die Ausstellungsräume umgibt hingegen sehr wohl eine bizarre  Stimmung. Größeren und kleineren Videoinstallationen stehen jeweils zahlreiche Kostüme aus dem Fundus der Deutschen Oper Berlin gegenüber: Von  Don Carlos bis hin zu Aida. Das können die Besucher übrigens vom ersten Augenblick und vom ersten Raum an „riechen“. Viel seltsamer mag es für die Betrachter jedoch sein, auf Bildwelten zu treffen, die zunächst sehr idyllisch anmuten. Da steht ein Klavier inmitten einer grünen Blumenwiese, in einer Berghütte knistert der Kamin vor sich hin und es blicken einen altertümliche Wesen und niedliche Kinderaugen an.

© Ed Atkins, “Old Food”, 2017, Installation view, Martin-Gropius-Bau, Berlin, Photo: Mark Blower. Courtesy the artist, Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin, Cabinet Gallery, London, Gavin Brown’s Enterprise, New York, Rome and dépendance, Brussels

Doch nun kommt es: Die Figuren weinen, wirken verzweifelt, ihre Haut scheint sich zu verflüssigen. Auf dem Klavier spielt eine Hand, die sich durch diverse Plessuren von der sich im Instrument spiegelenden Natur abhebt. Seine Figuren sind in einer ewig langen Leidensgeschichte gefangen – ohne Anfang, Spannungsbögen und ohne Ende. Zugleich verwirrt die akustische Komponente: Es erklingen Kompositionen von Jörg Frey, die so gar nicht den klassischen Harmonien entsprechen. Die Disharmonien in Dauerschleife tragen ebenfalls dazu bei, dass die scheinbare Idylle aufgehoben wird. Den Besuchern überkommt ein ähnlich unwohles Gefühl wie bei der Betrachtung von verschimmeltem Essen. Nur mit dem Zusatz, dass sie sich ihrer eigenen Rolle in den neuen Medien und einer kommerzialisierten Welt bewusst werden. 

Ed Atkins möchte genau dies mit seiner Installation zeigen. Er erzeugt künstliche Digital-Romantik, um sie im nächsten Moment wieder zu zerstören. Dabei bezieht er sich auf die Hoffnungen, die in die CGI-Technik gelegt werden. Mit ihrer Hilfe sollen unsere Träume „real“ werden. Täuschend echte Figuren wirken dann aber doch wieder deratig aalglatt, dass sie ihre Wirkung selbst aufheben. Der ultimative Burger und die perfekte Bikini-Figur: Mit der Realität haben schmackhaft kreierte Photoshop-Werbebilder oft wenig zutun. Ed Atkins entblößt das Streben nach Perfektionismus, indem er der digital erzeugten Romantik auf bizarre Weise die Romantik nimmt (die sie ja eigentlich nie war).

Die Ausstellung läuft noch bis zum 07. Januar 2018.

Titelbild: @Ed Atkins, “Old Food”, 2017, Installation view, Martin-Gropius-Bau, Berlin, Photo: Mark Blower. Courtesy the artist, Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin, Cabinet Gallery, London, Gavin Brown’s Enterprise, New York, Rome and dépendance, Brussels

Masken-Kunst: "data masks" von Sterling Crispin

Digitale Geister:
Gesichtserkennung als Masken-Kunst

Das Phantom der . . . des Internets! Welches Bild haben Google, Facebook und Co. von ihren Nutzern? Wie sieht der digitale Mensch aus? Zugegeben, wie eine Mischung aus Lavalampe, Meteoroid und Tropfsteinhöhle. Der amerikanische Künstler Sterling Crispin hat im Rahmen seines Projektes “Data Masks”, digitale Gesichter in analoge Gips-Maskierungen verwandelt. Die Grundlage für diese Masken-Kunst bilden Gesichtserkennungs-Algorithmen, deren Analysen vom Menschen selbst, nicht mehr viel erkennen lassen: „Vor den Linsen der Maschinen verwandeln wir uns in digitale Geister“ erklärt der Künstler.

Die Beobachtung des Menschen als digitales Gesicht

Face Detection Masks: Zuck-Blister; Künstler: Sterling Crispin

Gesichtserkennungssoftwares, die mit lernfähigen Algorithmen arbeiten, gibt es seit den 90er Jahren. Seitdem werden diese immer wieder weiterentwickelt und optimiert. Eingesetzt werden die Programme unter anderem von der Privatwirtschaft und Geheimdiensten wie der NSA und der Privatwirtschaft. Dort durchforsten sie Bild-Datenbanken nach bestimmten Merkmalen und prägen sich die Details der menschlichen Gesichter ein. Die Maschinen lernen kontinuierlich dazu und werden immer besser in der Nachahmung des digitalen Ich’s.

Blick in den digitalen Spiegel: Wer oder was sind wir?

Face Recognition Masks: Obama; Künstler: Sterling Crispin

Sterling Crispin ist für seine unkonventionellen Kunstwerke bekannt und arbeitet viel mit digitalen Mitteln. Dabei versucht er stets, abstrakte Konstrukte visuell zu konkretisieren. So auch in “Data Masks”. Mit diesem Projekt möchte er gleichzeitig die Öffentlichkeit für das Thema des “Gläsernen Menschen” (Metapher des Datenschutzes) sensibilisieren: „Ich möchte, dass wir über unsere digitale Darstellung reden. Und das gelingt eher, wenn wir sie sehen und greifen können“. Dem Künster sind digitale Datensammlungen, Gesichtserkennungssoftwares und Kameraüberwachungen sowohl online als auch offline unheimlich. Sein kritischer Blick richtet sich in diesem Zusammenhang insbesondere auf die Verwendung von Gesichtserkennungsprogrammen, welche damit konsequent Ziele verfolgen, die nicht unbedingt immer in unserem eigenen Interesse liegen. Deshalb findet Crispin es „wichtig, dass wir ein Bewusstsein für unser Cyper-Ich bekommen. Und dass wir nicht nur irgendein Ding in den Weiten des Netzes sind, sondern Personen“. Eine von Ihnen: Obama, dessen Gesicht ebenfalls in einer digitalen Algorithmus-Maske Ausdruck findet.

Vom Fitness-Algorithmus zur Masken-Kunst

Doch von vorn: Hinter den Masken steckt ein komplizierter Prozess. Mit Hilfe eines frei verfügbaren sogenannten Fitness-Algorithmus durchsuchte Crispin zunächst eine riesige Bild-Datenbank mit menschlichen Gesichtern. Seinen Namen hat dieser Algorithmus, weil er ständig trainiert. Er lernt die menschliche Mimik kennen und vereint dieses Wissen im Anschluss auf einer abstrakten Ebene. Der Fitness-Algorithmus sortiert beispielsweise nicht nach Auge oder Ohr sondern nach Pixeln und Farbverläufen. Sterling Crispin nutzt den Algorithmus in seiner eigenen, speziell für das Projekt entwickelten, Software. So will er der Funktionsweise von Gesichtserkennungs-Algorithmen auf die Schliche kommen. Mit Hilfe seines Programms moduliert der Künstler 3-D Formen, die eine schädelähnliche Form haben. Per Zufall entstehen auf deren Oberfläche diverse Hervorhebungen. Jedes Mal, wenn sich die Schädel verändern, gleicht Crispins selbstentworfenes Programm diese mit den von dem Fitness-Algorithmus vermerkten Daten ab. Dieser Vorgang wiederholt sich solange, bis der Algorithmus ein Gesicht erkennt. Mit der Zeit kristallisieren sich die eingangs beschriebenen Tropfsteinhöhlen-Gesichter heraus. Der Prozess vom Fitness-Algorithmus bis hin zu Crispins Programm wird als genetischer Algorithmus umschrieben. Er entspricht jedoch nicht exakt den Algorithmen von Facebook und Co., denn diese sind geheim. Da sich die Bilddatenbanken jedoch ähneln, lässt sich erahnen, welches Bild die digitalen Maschinen von uns Menschen konstruieren. Die finalen 3-D Entwürfe werden im Anschluss in Gips gegossen.

Data Masks in Dresdner Ausstellung “Das Gesicht”

Den digitalen Masken kann aktuell auch in Deutschland begegnet werden. In Dresden werden sie im Rahmen der Sonderausstellung “Das Gesicht” im Deutschen Hygiene-Museum bis Februar 2018 gezeigt. Darin geht es um die Geschichte des menschlichen Antlitzes von den Porträts der alten Künstler bis hin zu medienübergreifenden Kunstwerke und Installationen, die sich mit der digitalen Verfügbarkeit und medialen Präsenz von Gesichtern beschäftigen.

„Die automatische Gesichtserkennung greift um sich – manche kaufen sich Masken, um die Algorithmen zu verwirren. Das Deutsche Hygiene-Museum in Dresden untersucht, was das für unsere Kultur bedeutet.“ Bernd Graff, Süddeutsche Zeitung